아이디얼리즘(idealism)

일반적으로 창작의 규범을 자연의 개별성, 우연성을 초월한 이상미에 놓는 입장. 자연주의 또는 사실주의에 대립되는 태도를 말한다. 그리스 미술, 르네상스 미술과 마찬가지로 사실성 에 입각해서 이상미를 추구한 양식을 이상주의의 전형으로 생각할 수도 있다. 그러나 일반 적으로는 특정의 운동, 일정한 양식이 아닌, 제작자의 심적 태도를 가리키는 말로 각종 종교 미술, 고전주의, 낭만주의, 상징주의 등 그 각각에도 이상주의적 태도가 내포되어 있다고 생각할 수 있다. 철학적으로는 관념론을, 윤리학에서는 이상주의를 가리키는 말이다.

아르 누보(Art Nouveau)

새로운 미술이라는 뜻으로.
19세기말에서 20세기초에 걸쳐 서유럽 전역 및 미국에까지 넓게 퍼졌던 장식적 양식. 아르 누보의 탄생은 유럽의 전통적 예술에 반발하는 당시 미술계의 풍조를 배경으로 하고 있는데, 19세기 후반에 유행처럼 번졌던 카데믹하고 절충주의적인 '역사주의'에 대한 반발로 나타난 아르 누보 운동은 과거의 전통 양식들을 모방하거나 변형하는 수준에서 벗어나 하나의 새로운 양식을 창출하고자 했다.

아바타(Avata)

가상사회(Virtual Community)에서 자신의 분신을 의미하는 시각적 이미지.
아바타는 분신(分身)/화신(化身)을 뜻하는 말로, 사이버공간에서 사용자의 역할을 대신하는 애니메이션 캐릭터이다.
원래 아바타는 내려오다, 통과하다라는 의미의 산스크리트어 Ava와 아래, 땅이란 뜻인 Terr의 합성어다. 고대 인도에선 땅으로 내려온 신의 화신을 지칭하는 말이었으나, 인터넷시대가 열리면서 3차원이나 가상현실게임 또는 웹에서의 채팅 등에서 자기 자신을 나타내는 그래픽 아이콘을 가리킨다.
아바타는 그래픽 위주의 가상사회에서 자신을 대표하는 가상육체라고 할 수 있다. 현재 아바타가 이용되는 분야는 채팅이나 온라인게임 외에도 사이버 쇼핑몰, 가상교육, 가상오피스 등으로 확대되었다. 최근 가장 각광받는 분야는 온라인채팅서비스로, 아이콘채팅, 3차원 그래픽채팅 등의 아바타를 이용한 채팅서비스가 도입되었다.

아방 가르드(전위 예술 前衛藝術 avant-garde)

예술 상으로는 인습적인 권위와 전통에 반항, 혁명적인 예술 정신의 기치를 내걸고 행동하는 예술 운동.
따라서 특정의 주의나 형식을 가리키는 용어라기보다는 신시대의 급진적인 예술 정신 전반에 걸쳐서 사용되는 말이지만, 특히 제1차 세계대전 후의 추상주의와 초현실주의를 중심으로 한 조형 활동을 가리키는 경우가 많다. 이들 활동의 배후에는 기계문명의 발달, 무의식의 세계의 규명, 원시예술의 발굴, 사회 의식의 확대 등 신시대적인 여러 가지 요인이 내포되어 있다.

앗상블라주(assemblage)(불)

'집합', '조립' 등의 뜻. 평면적인 타블로 회화에 삼차원성을 부여하는 기법으로, 우리 주변에서 흔히 볼 수 있는, 여러 가지 잡다한 물건이나 폐품 따위를 조립해서 작품을 만드는 일 이나, 또는 그렇게 해서 완성된 작품을 가리킨다. 다시 말하면 종이 대신 오브제를 써서 만 든 삼차원의 콜라주나 콜라주 조각을 말한다. 앗상블라주란 말을 처음으로 쓴 것은 뒤뷔페 이지만, 이러한 시도는 이미 브라크, 피카소, 피카비아. 뒤샹 등에 의해 20세기초부터 있어 왔다. 그러나 이 용어가 일반적으로 쓰이게 된 것은 미국의 평론가 윌리엄 사이츠가 1961년 뉴욕 현대미술관에서 이러한 경향의 작품들을 모아 '앗상블라주 미술전'을 기획하고 나서부터이다. 사이츠는 다다, 초현실주의 이래의 오브제의 현대적 호칭으로 이 용어를 쓰고 있다. 그에 의하면 앗상블라주는 "그리거나 조각된 것이 아니라 조립에 의한 것으로 전부 또는 일 부가 자연물이거나 공업제품이지만, 전혀 미술을 의도하지 않고 만든 물건에 의한 것" 이다. 문명론적인 입장에서 볼 때, 앗상블라주는 우리를 둘러싸고 있는 폐품 문화(이를테면 헌 자 동차의 부속품이나 상업 문화의 쓰레기 등에 의한 조립이므로)의 반영으로 보여지기도 한 다. 또 미술사적으로 전 시대의 추상표현주의에 대한 반동으로 이해되기도 하지만, 또한 추상표현주의의 발전이라는 측면도 지니고 있다. 조셉 코널, 리처드 스탠키에비치, 존 체임벌린, 에드워드 키엔홀츠, 리 본티코 등이 이 경향의 대표적인 작가이다.

애니메이션(animation)

필름 조작으로 대상이 살아 움직이듯이 보이게 하는 영화 기술 또는 그렇게 만들어진 영화를 말한다. 애니메이션의 특징은 있을 수 없는 일이 일어나고 있다는 비현실적인 재미에 있으며, 만화영화를 비롯하여 방송 광고 등에 이용되고 있다.

애니메니션(animation)

디자인 용어. 필름 조작으로 대상이 살아 움직이듯이 보이게 하는 영화 기술 또는 그렇게 만들어진 영화를 말한다. ① 풀 애니메이션 ; 매초 24장면의 필름을, 한 장면마다 찍은 영상으로 메워, 움직임이 자연스럽게 보이도록 한다. ② 리드미트 애니메이션 ; ①의 영상 수를 제한하여 움직임을 한정한다. ③ 스틸 애니메이션 ; 스틸 사진의 인화를 사용하여 운동을 주어 애니메이트한다. 애니메이션에는 그림, 만화, 사진, 인화 등의 평면적인 소재를 움직이는 경우와 상품이나 인형, 그 밖의 입체적인 물체를 움직이는 경우가 있다. 애니메이션의 특징은, 있을 수 없는 일이 일어나고 있다는 비현실적인 재미에 있으며, 만화영화를 비롯하여 방송 광고 등에 이용되고 있다. 또 그 움직임의 비현실성 혹은 넌센스라는 특성을 영상표현으로서 추구하려는 실험적인 작품이 화가, 만화가, 그래픽 디자이너, 사진작가 등 여러 분야 의 작가들에 의해 제작되고 있다

액션/액셔니즘(Action/Actionism)

* 작가 - 요셉 보이스(독일), 귄터 브룩스(오스트리아), 이브 클랭(프랑스), 피에로 만조니(이탈리아), 오토 뮐(오스트리아), 헤르만 니츠(오스트리아), 아르눌프 라이너(오스트리아), 알폰스 쉴링(오스트리아), 루돌프 슈바르츠코글러(오스트리아)
* 시기 - 1950년대 말 - 1970년대 중반
* 지역 - 유럽
* 내용 - 미술가를 행위자로 여기는 개념 그리고 여기에 관련지을 수 있는 미술 제작과정에 대한 관심은 추상표현주의와 유럽판 아르앵포르멜이 가져온 두 가지 부산물이다. '회화란 화가와 회화와의 만남을 기록하는 것이다.' 라는 생각은 몸으로 연기하는 미술작가가 탄생할 수 있었던 이론적 배경이 되었다. 이러한 접근방식을 보여주는 예로는 해프닝과 플럭서스 이벤트, 그리고 '액션'을 들 수 있는데, 이 세 가지는 모두 퍼포먼스 아트의 선구적인 역할을 했다. 해프닝은 모든 행위가 면밀히 구성되고 미리 계획된 형식에 따라 행해지는 이벤트로, 각 행위의 정확한 의미를 명쾌히 해석하기는 어렵다. 플럭서스는 선(禪), 다다, 비트 등에 영향을 받은, 무엇이나 받아들이는 시적 감수성을 기반으로 하여 전개되었다. 액션은 이브 클랭이나 피에로 만조니 같은 미술가들이 거리나 갤러리 안에서 관람객들이 보는 앞에서 만드는 작품(live works presented)을 통틀어 부르는 말이다.
액션 미술가는 정신적, 심미적 관심에서부터 사회적, 정치적 관심에 이르기까지 포괄적인 영역을 다룬다. 1960년경 클랭은 온몸에 페인트칠한 누드 여인들을 살아있는 '붓'으로 이용해 캔버스를 '얼룩지게 한(blotted)' 그림을 만들어내기 시작했다. 만조니는 여러 종류의 사람들에게 서명을 하여 그들을 살아 있는 조각으로 만들었다. 1970년대 초에 요셉 보이스는 다양한 정보를 이루는 네트워크인 자유대학(The Free University)을 창설하여 이를 '사회적 조각'이라 불렀다.
액션의 특징으로는 무당으로서의 미술가 역할을 강조하는 점과 미술계의 바깥에서 직접적인 정치적 활동을 하고자 갈망하는 점을 들 수 있는데, 이러한 특성은 독일의 '악크티오니스무스(Aktionismus)' 즉 '액셔니즘'과도 연결된다. 액셔니즘은 1960년경부터 주제가 비슷한 액션을 만들어낸 일단의 비엔나 미술가들을 가리키는 말이다. 귄터 브루스, 오토 뮐, 헤르만 니츠, 알폰스 쉴링, 루돌프 슈바르츠코글러 같은 미술가들은 피, 정액, 살 등 몸의 일부를 사용하는 의식적인 퍼포먼스를 통해 프로이트적인 에로틱한 폭력을 탐구했다. 쉴링이 1963년 3월 16일에 비엔나에서 소수의 관중에게 보여준 전형적인 액션은 가죽이 벗겨져 피가 흐르는 양을 전시하는 것으로 시작했다. 바닥에 깔린 천은 양의 내장으로 뒤덮여 있었다. 피가 계속 흐르는 양을 쉴링이 네 다리를 잡고 빙빙 돌려 관객과 화랑 안에 피를 뿌렸다. 쉴링은 벽에 생 달걀을 던지고 장미를 씹어 먹었다. 이런 역사적인 이벤트는 카메라 녹화를 위해 특별히 재연되기도 했다.
정신의 어두운 측면인 파괴력을 탐구하는 이런 이벤트는 창조활동을 신성시하는 추상표현주의와 아르 앵포르멜에 대한 반동으로 나타난 것이다. 액션은 1950년대의 추상표현주의와 그 뒤에 나온 1960년대 후반과 1970년대의 퍼포먼스, 보디 아트 사이를 이어주는 교량역할을 했다.

앵포르멜(Informel)

제 2차 세계대전 후에 일어난 서정적 추상 회화의 한 경향. 정형화되고 아카데미즘화 된 추상, 특히 기하학적 추상에 대한 반동으로 생겨난 것으로, 격정적이며 주관적인 것이 특징이다. 엥포르멜이란 '비정형'을 의미하는 말로, 넓은 의미에서 보면 추상 표현주의의 범주에 들지만 특히 미국의 액션페인팅에 대응하는 프랑스의 예술 동향을 가리킨다.

어셈블리지(Assemblage)

* 작가 - 카렐 아펠(네덜란드), 아르망(프랑스), 토니 베르란트, 월레스 버만, 요셉 보이스(독일), 루이즈 부르주아, 존 체임벌린, 브루스 코너, 조셉 코넬, 에드워드 케인홀츠, 도널드 립스키, 마리솔, 루이즈 네벨슨, 로버트 라쉔버그, 리처드 스탠키위츠, H.C. 웨스터만
* 시기 20세기초에 기원을 두나, 어셈블리지는 1950년대에 이르러서야 발전하기 시작했다.
* 지역 - 국제적, 특히 미국
* 내용 - 3차원적인 콜라주라 할 수 있는 ‘어셈블리지’는 콜라주처럼 그 기원을 파블로 피카소에서 찾을 수 있다. 조르주 브라크와 공동작업을 하던 피카소는 1912년에 최초의 어셈블리지인, 종이조각처럼 얇은 금속판을 이용한 「기타」를 만들어 냈다. 그리고 다다 미술가인 마르셀 뒤샹이 이보다 3년 후에야 자전거 바퀴를 등받이 없는 의자에 붙여 기성품으로 명명한 어셈블리지 작품을 만들어 냈다. 어셈블리지는 뉴욕 근대미술관의 큐레이터인 피터 젤츠와 윌리엄 자이츠가 1961년의 「어셈블리지 미술」이라는 제목으로 전시회를 연 데서 탄생한 용어로, 그전까지는 단순히 ‘오브제’로 통용되어 왔었다.
어셈블리즈는 비미술적인 오브제와 재료를 풀로 붙이거나 용접 같은 기법으로 구성하거나 결합시켜 조각으로 변형시키는 것이다. 이러한 새로운 조각방법은 돌을 깎거나 틀을 만들어 청동상을 만드는 전통적 방법에서 벗어난 것이었다.
비미술적 요소와 실생활에서 버려진 잡동사니를 이용한 어셈블리지는 보기에 거부감을 주는 재료 그대로의 거친 느낌을 주기 쉽지만, 어떤 경우에는 시적 감흥을 불러일으키기도 한다. 어셈블리지는 평범한 사물에서 흥미를 발견하고 ‘체재적(official)’ 문화에 저항한다는 점에서 1950년대 말기의 비트 시(Beat poetry)와 같은 경향을 보여주었다.
어셈블리지는 브루스 코너의 베일에 싸인 인물상처럼 신비스럽고 밀폐된 성격을 보여주기도 하고, 에드워드 케인홀츠가 영락한 사람들을 예리하게 묘사한 타블로 작품에서처럼 공격적인 고발성을 보여주기도 한다. 그러나 어셈블리지가 반드시 재현적인 것만은 아니다. 존 체임벌린은 찌그러진 자동차 범퍼를 사용하여 추상조각을 만들어 내었고, 루이즈 네벨슨은 채색목조의 불가사의하고 감각적인 추상조각을 만들었다. 어셈블리지는 기법의 명칭이지 양식을 말하는 것이 아니다.

언더그라운드 영화(Underground Cinema)

미국에서 일어난 새로운 영화 운동. 1960년대 미술에도 중요한 영향을 끼쳤다. 할리우드로 대표되는 종래의 영화가 상업주의의 해독을 입어 도덕성의 퇴폐, 빛 바랜 미학, 천박한 테마 의 관용적인 표현에 빠졌다고 보고, 이에 대항하여 인간에 대한 새로운 이해, 새로운 태도에 바탕을 두고 자유로운 영상 표현을 목표로 하는 실험적인 영화작가 및 화가들에 의해 시도되었다. 미국에서는 그 이전에 뉴 아메리칸 시네마라 불리는 움직임이 있었는데, 1960년 조 나스 메커스의 '언더그라운드 제1전선'은 새로운 영화 작가의 집단적 결속의 목표를 분명히 하고 있다. 그 주장은 삶이나 예술에 대하여 기존의 온갖 원칙을 불신, 영화는 절대로 개인 의 표현이어야 한다고 하여, 프로듀서나 배급업자, 융자인의 간섭을 거절하고, 일체의 검열 을 거부하는 등 전위적인 입장을 띠고 있다. 작품에는 단편이 많지만 긴 시간의 장편물도 있다. 개인적 주관의 표현이 공통적인 경향인데, 자유로운 주제로 온갖 영화 수법을 동원하여, 영상 표현의 가능성을 추구하고자 했다. 앤디 워홀, 케네드 앵거, 칼 린더, 로버트 브리어, 올덴버그, 마코폴로스 등이 대표적인 작가이다.

에스프리(esprit)

라틴어의 호흡이란 말에서 파생, 영. 넋 정신의 뜻이며, 기질, 재치, 기지, 능력의 의미도 내포하고 있다.
미술작품을 논할 때 에스프리는 작가적 정신이나 번뜩이는 재치, 개성 등을 의미한다. 육체에 대한 정신을 의미하며, 근대적인 새로운 정신활동을 가리키는 용어로 쓰인다.
동시에 프랑스인 특유의 발랄한 지성적인 정신을 나타내는 말이기도 하다. 프랑스인들은 세련되고 생기 있는 대화를 존중하는데, 그들의 재치 있고 빈틈없는 발상을 에스프리라고 하며 영국 사람들의'유머'와 좋은 대조를 이룬다.

예술학

넓은 의미로는 '예술에 관한 학문'을 가리키나, 좁은 의미로는 19세기 후반'20세기 초 독일 에 있어서 미학과 대립 내지 병립적으로 제창된 '예술학', '일반 예술학'을 가리킨다. K. 피 들러는 미와 예술의 문제를 명확하게 구별하여 논의했으나, 예술학이란 용어는 쓰지 않았는데, M. 데스와르는 예술만을 대상으로 하는 학문, 즉 예술학을 미학에서 처음으로 독립시켜 거기에 일반 예술학이라는 명칭을 사용하고 미학과 병립시켰다. 그는 1906년에 <미학과 일 반 예술학>을 저술하여 일반 예술학의 본질과 과제를 명확히 했으며 동시에 기관지 <미학 과 일반 예술학 잡지>(1906'43)를 간행했다. 랑게는 자연미와 예술미의 혼동으로부터 미와 선, 미와 진의 혼동이 생긴다고 하여 예술을 분리하여 예술의 미만을 취급하는 예술학을 수립할 것을 제창하였다 그러나 일반 예술학을 논리적으로 깊이 있게 발전시킨 것은 E. 우티츠이다. 그는 <일반 예술학의 기초>에서 예술의 본질 연구를 주제로 하여 일반 예술학을 체계화했다. 미학이 주로 미의 일반 법칙을 철학적으로 취급하는 것이라면, 예술학은 예술의 기원, 목적, 성립 조건, 기능, 발전 법칙, 창작, 감상의 법칙 등을 취급한다. 현대에는 일반 예술학의 입장은 후퇴했으나, 각개 예술을 실증적 역사적 또는 실험적으로 연구하는 소위 예술의 과학은 착실한 성과를 얻고 있고, 예술의 문제를 철학적으로 고찰하는 예술철학도 독자적인 영역을 구축하고 있다.

오브제(objet)

본래 물건, 물체, 객체 등의 의미를 지니나, 미술에서는 일반적으로 주제와 대조적으로 사용된다. 초현실주의에서는 이것을 전용, 독특한 표현 개념을 부여하여 구체적인 예술의 방법으로 삼았다. 즉 예술과는 아무런 관계가 없는 물건이나 그 한 부분을 본래의 일상적인 용도에서 떼 내어 보는 사람에게 잠재된 욕망이나 환상을 불러일으키게 하는 상징적 기능의 물체를 말한다.
현대회화, 특히 세잔 이후 큐비즘(입체파) 등에서는 주제성을 배제하고 물체를 중히 여겼다.
그러나 오브제라는 말이 특수한 용어가 된 것은 다다이즘과 초현실주의에 나타난 이후부터이다. M.뒤샹이 1917년에 기성품 변기를 《샘(泉)》이라는 주제를 붙여 전람회에 출품한 것과 같이 다다이즘 시대에는 기성의 일용품이나 기계부품 등이 반예술 형식의 목적으로 사용되었다. 미술에서의 오브제관(觀)은 흥미 있는 미적 인식 문제를 투입하고 있으나, 오브제는 예술의 재료, 형식, 기능을 확대하기 위한 외부의 세계를 정복하는 수단이 된다고 볼 수 있다.

오브제 아트(object art)

'오브제 아트' 또는'오브제 조각' 이라는 용어는 미래파 화가, 다다이스트, 초현실주의자들 이 회화나 구조물을 표현하기 위해 1945년 이전에 사용하였다. 때때로 전후에도 이러한 의 미로 사용되기도 하였는데, 본질적으로 앗상블라주의 대용물이다. 1965년 프랑스의 비평가 쥬프레이는 작품에 일상적인 물체를 결합하거나, 그러한 물체의 모양을 띠게 만드는 일단의 화가들을 이 용어로 칭하였다. 이러한 작품에 관심을 두었던 화가들로 레칼카티, 레이노드, 쿠도, 파울 반 호이동크 등이 있다. 1970년에는 미국을 순회하던 공예 물체들의 전시회 책자 가 <오브제 유에스 에이>라는 표제로 나왔다. 1960년대 중반에 '오브제 아트'라는 용어는 미니멀 아트의 대용물로 사용되었다. 이론적인 면에서는 미니멀리즘이 예술의 본질은 그것 이 만들어진 재료에 있다고 주장하면서 형이상학적 범주의 예술을 실제 생활의 상태로 축소시키고자 하였다. 이와 같은 자포자기의 시도는 '정신적 대상'을 예술로 주장한 개념미술의 출현으로 혼란에 빠지게 되었다. 그래서 즉각적으로 '포스트 오브제 아트', '반 오브제 아트 ', '오브제 아트의 탈 물질성'에 대한 논의가 일었다. 이와 같은 논쟁은 철학적으로 오래 계 속되어온 주체와 객체, 정신과 육체, 관념론과 유물론, 형이상학적인 것과 형이하학적인 것 과 같은 이율배반에서 비롯된 것이라 볼 수 있다.

오브제

본래 물건, 물체, 객체 등의 의미를 지닌 프랑스어이나, 초현실주의에서는 이것을 전용, 독특한 표현 개념을 부여하여 구체적인 예술의 방법으로 삼았다. 즉 예술과는 아무런 관계가 없는 물건이나 그 한 부분을 본래의 일상적인 용도에서 떼내어 절연함으로써 보는 사람에게 잠재된 욕망이나 환상을 불러일으키게 하는 상징적 기능의 물체를 말한다. 이 방법은 바로 언어의 무의식적인 합성에 의해서 새로운 시적 언어가 형성되는 과정과 일치한다. 일상 생 활에 쓰이는 모든 물체는 그 나름의 용도나 기능 또는 독특한 의미를 지니고 있기 마련이 다. 그러나 이러한 물체가 일단 오브제로 쓰이면 그 본래의 용도나 기능은 의미를 잃게 되 고 이때까지 우리가 미처 체험하지 못했던 어떤 연상작용이나 기묘한 효과를 얻을 수 있게 된다. 따라서 초현실주의에서 오브제란 사람과 물체가 서로 교통하는 한 방법으로 생각되기 도 했다. 이러한 오브제의 개념은 초현실주의의 조형적 영역은 물론 그 사상에도 중대한 변화를 일으키게 했다. 즉 오브제는 회화와 조각을 접근시켜 회화도 조각도 아닌 새로운 조형 의 개념을 탄생시켰다. 또 오브제는 예술가의 생활과의 관계를 표현하는 물건 그 자체로 인 식 되어 예술과 생활의 경계를 애매하게 만드는데도 큰 역할을 했다. 초현실주의 작가들은 여러 가지 오브제를 정리하여 12가지로 나눴는데 그 중에서도 중요한 것을 들어보면 다음과 같다. ① 자연물의 오브제(광물, 식물, 동물 따위) ② 미개인의 도구 나 주술적인 물체 ③ 수학상의 오브제(수학적 원리에 의해서 구성된 입체적 모양 따위) ④ 발견된 오브제(흔히 오브제라면 이것을 가리킬 만큼 일반적인 것으로 표류물, 나무뿌리, 돌, 기타 모든 오브제는 발견된 오브제라 할 수 있다. ) ⑤ 해석된 오브제(이를테면 발견된 오브 제인 나무 뿌리를 약간 가공해서 거꾸로 놓으면 전혀 다른 물체의 모습으로 보이기도 하는 데, 이것이 바로 해석된 오브제이다.) ⑥ 재해의 오브제(화재가 난 뒤 어떤 물건이 불에 타 서 예상할 수 없을 만큼 초조형적으로 변형된 경우) ⑦ 기성품의 오브제(실용을 목적으로 만든 기성 제품에 단순히 서명을 함으로써 예술품으로 전이시킨 것) ⑧ 움직이는 오브제(어 떤 종류의 자동 인형이나 풍차 따위와 같은 것으로 콜더의 모빌이나 팅겔리의 <자멸기계> 등이 여기에 속한다.) ⑨ 상징 기능의 오브제(달리가 발명한 것으로 인간의 잠재 의식에 직접 호소한 것)

옵 아트

짧은 기간 동안 유행하였던 '옵 아트(Optical art의 준말)'는 시각현상을 예리하게. 그리고 거의 과학적으로 탐구하는 경향이었다. 옵 아트에 있어서는 망막을 자극이 주된, 또는 대부분의 경우 유일한 소통의 수단이여. 그 의 도는 관람자의 생리적인 시각반응을 유도하는 것이었다. 이 같은 사실이 암시하듯이. 옵 아트의 대부분이 2차원이나 3차원작품을 통하여 교묘한 지각 적 효과를 유발하는데 그쳤다. 이들 작품은 움직이기도 하고 정지되어 있기도 하였으며. 조명장치가 부착된 것. 또는 그렇지 않은 것도 있었다. 이와 같은 작품들에 대한 관심은 필연적으로 단명한 것이었으며. 옵 아트는 하나의 미술경향으로서의 위치를 그리 오래 지키지 못하였다. 그러나 예외적인 경우도 있었는데. 그 주요한 예가 브리지트 라일리(Bridget Riley)의 작품이다. 브리지트 라일리 는 1960년에. 과학자들이 지각작용의 연구를 위해서 사용하였던 도해들을 개작하는 작업을 시작하였다. 그리하여 그녀는 강렬한 흑백 회화를 만들어 내었다. 그녀는 이 같은 회화가 더욱더 미묘한 효과를 낼 수 있도록 하기 위하여 처음에는 회색을 그리고는 점차 다른 색채를 첨가하게 되었다. 시각적 자극 자체가 그녀의 목표는 아니었다. 라일리는 자신이 그리는 요소들을 자연의 일부로 즉 나무. 구름. 언덕. 강과 같은 풍경의 요소로 보았다. 그리고 그녀는 이들 요소들을 맞추어서 그것들의 형태와 색채의 총체 이상의 마술적 효과를 이루어내었다. 라일리의 작품들은 분명히 과학적이라기보다는 서정적이고 시적인 효과를 산출하고 있다. 포토 리얼리즘은 사진의 형상과 기법에 의존하였음에도 불구하고 팝 아트와도 관련시킬 수 있다. 이 경향에 포함시킬 수 있는 화가들의 범위도 역시 광범위하다. 예를 들어 맬컴 몰리(Malcoim Morley)는 1960년대 중반부터 커다란 캔버스에 잡지 사진을 세밀하게 복사하는 작업을 해왔다. 그의 작품은 사진기법으로 전사한 워홀의 사진적 형상들과 비교됨과 동시에 대비를 이루고 있다. 그러나 몰리는 그가 선택한 형상들이 내포하고 있는 내용에 대하여 어떠한 관심도 가지지 말 것을 주장하였다. 그는 형상들을 거꾸로 그릴 것을 주장하기도 하였는데. 그 이유는 그가 복사하는 갯상과 명도 변화가 갖는 의미의 영향력을 피함과 동시에 그 표면의 특성 자체에만 집중하기 위해서였다. 그럼에도 [경마 트랙]과 같은 그림에서는 표면보다는 의미를 선택한 것으로 보인다. 이것은 남아프리카에서의 즐거운 여가 장면을 밝은 태양광선에서 찍은 사진을 복사하고. 그 위에 피 빛 빨강색으로 협박하듯이 × 표시를 그렸다. 이에 비해서 대부분의 포토 리얼리즘 작가들은 비교적 냉정하고 중립적이었다. 많은 미술가들이 주변세계의 일부를 사진으로 찍어서 이 사진들을 캔버스 위에 투시하여 그림을 만들어내고. 투시된 형상에 준하여 채색을 하는 방법을 사용했다. 이런 것들은 가능한 한 가장 순수하게 사물을 묘사한 그림이라고 할 수 있을 것이다. 이 중 특히 매혹적인 예는 리차드 에스티스(Richard Esles)가 만들어내었다. 이런 종류의 작품에 타당성을 부여하는 요인 중 하나는. 제작과정에서 의식. 무의식적으로 내려지는 예술적 판단의 풍부함이다. 이 예술적 판단은. 투사된 형상에 의존하지 않고는 그 복잡한 세부를 묘사하기가 어려운 시각적 자료들에 개입되고 있다. 카메라는 오직 기술적인 변수에 의해서만 통제되는 객관성을 가지고 세계를 본다. 가장 객관적인 미술가라 할지라도 카메라처럼 너그러운 평등주의적 시각으로는 어떤 정경에 도 주목하지 못한다. 또한 미술가가 어느 정도는 사진에 대하여 개인적인 해석을 내릴 수밖에 없는 것은 사실이 다. 어쨌든 미술가는 다른 것이 아닌 바로 그 정경을 사진으로 찍어서.같이 찍혀진 슬라이드들 중에서도 다른 것이 아닌 바로 그 슬라이드를 사용하는 것이다. 그리고 그림을 다른 크기가 아닌 바로 그 크기로 그리겠다고 결정한다. 그러고도 미술가에게는 광건에 의해 포착한 형상을 물감에 의해 고착시켜야 하는 문제가 여전히 남아 있다. 이런 종류의 그림 중 가장 이상적인 경우는 우리에게 많은 즐거움을 주며. 그러한 즐거움과 함께 어떤 사념을 유도하기도 한다.

이 에이 티(E.A.T.)

'예술과 과학 기술에 의한 실험(Experiments in art technology)의 약자. 1966년 1월, 스톡홀 름의 예술과 과학 기술의 제전에 참가한다는 취지로 이 에이 티가 탄생하였다. 그 결과 9월 제저네는 참가하지 못했으나, 10월에 '극장 및 엔지니어링의 아홉 밤(9 Evenings : theatre and engineering)이라는 타이틀로 뉴욕에서 대대적인 발표를 하였다. 장소는 1913년에 미국에서 처음으로 유럽의 전위예술 전시회가 열렸던 유명한 아모리 쇼의 건물이었다. 이때 기술자의 대표로서 벨연구소의 과학자 빌리 클뤼버가 중심이 되어, 각 분야에 걸쳐 예술가들의 상상력을 기술적인 면에서 구체화하도록 노력했다. 이때의 예술가로는 로버트 라우센 버그, 존 케이지를 비롯하여, 해프닝이나 연극 관계의 작가도 있다. 결과는 예술가들이 새로 개발된 제어장치를 무턱대고 사용하여 실패한 프로그램도 없지 않았으나, 아무튼 미국 전후 미술에 새로운 페이지를 남긴 시도였다. 그 후, '이 에이 티'의 활동은 최초의 화려한 쇼에 서 보다 착실하게 과학과 예술 사이의 여러 문제를 결합하려는 방향으로 나아갔다. 1968년 의 2월'5월초에 걸쳐 컴퓨터, 레이저, 텔리비전 등의 새로운 기술, 그 밖의 새로운 소재 등에 대한 연속 강좌를 열거나, 또 1968년의 가을 뉴욕 현대미술관에서 열린 '기계 예술전' 을 기념하여, 과학자와 예술가 사이에서 작품에 대한 세미나가 기획되기도 했다

인디펜던트 그룹(Independent Group)(영)

1950년대에 결성된 영국의 전위적인 미술 단체. 런던의 아이 씨 에이 의 부설단체로 출발했었다. 따라서 이 그룹의 본래 목적은 대중을 위해 아이 씨 에이가 주최하는 강연회의 주 제와 연사를 결정하는 데 있었다. 단체전을 한 번도 열지 않았던 이 그룹은 비평가 로렌스 알로웨이가 이론가로서 활약했고, 존 맥레일, 에두아르도 파올로치, 프랭크 코델, 앨리슨 스미드슨, 피터 스미드슨, 리처드 해 밀튼 등이 그 주요 멤버였다. 인디펜던트 그룹은 현대 도시 사회의 대중 매체-영화, 광고, 공상과학소설, 팝 음악 등에 데 해 폭넓은 이미지를 만들어 냈다. 미국에서 일어난 상업주의는 영국 미술가들에게 많은 아이디어를 주었는데 특히 상품의 포장디자인, 인간과 상표에 대한 새로운 규범 등이다. 이렇게 변화하는 환경에 대한 충격은 그 발생지인 미국에서보다 영국에서 적극적으로 검토되었다. 이들의 아이디어는 결국 영국의 팝 아트의 발단이 되었는데, 브리티시 팝British pop이란 말도 알로웨이에 의해 명명된 것이었다.

인터미디어(intermedia)

1960년대에 들어와서, 뉴욕을 중심으로 하는 미국의 전위 예술가들 사이에서 쓰이기 시작한 말로서, 종래부터 쓰여왔던 해프닝, 이벤트, 믹스트 미디어 따위를 종합한 명칭이다. 이것은 문자 그대로 시각 예술에 있어서 여러 '미디어(매채)'간의 중간 영역이다. 회화, 조각, 영화 등 지금까지의 장르들은 이러한 미디어를 포함하고 있는데, 보다 전체적인 관점에서 어느 장르에 넣기가 곤란한 새로운 예술상의 동향을 가리키는 데 이런 말이 쓰인다. 약간의 뉘앙스의 차이는 있지만, 믹스트 미디어와 같은 뜻으로 쓰이는 수가 많다. 몇 개의 미디어를 병용하는 측면을 강조한 경우는 믹스트 미디어, 전체적인 작품이 여태까지의 어느 장르에도 속하지 않은 점을 강조한 경우는 인터미디어가 되어, 표리의 관계에 있다 할 것이다. '화가들에 의한 연극'이라 불린 해프닝을 비롯하여 뉴욕 파의 작가들에 의해 행해져 온 빛이나 음향, 오브제, 텔리비전이나 우화의 영상, 등장 인물의 액션 등을 종합한 공연을 가리키는데 쓰이고 있다. 1968년 봄에 뉴욕을 중심으로 한 시인, 호가, 조각가, 음악가, 영화 작가들이 참가하여 조직된 '인터미디어 68전' 이 있었다

일러스트레이션 illustration(영)

삽화, 도해. 신문이나 잡지, 광고의 문장. 내용을 보충하거나 강조해 주기 위한 목적으로 첨 가되는 그림. 그러므로 일러스트레이션은 광고 기획의 아이디어를 완전히 소화하고, 작품에 강한 개성을 주며, 아이디어와 표현 기술이 일치하여 소구효과(訴求效果)를 발휘해야 한다. 일러스트레이션은 디자인이나 사진에 의해 사실적. 상징적. 민화적. 도표적 등 각종의 표현 형식을 취하며, 또 아이 캐처의 연속 사용에 의한 효과, 색채에 의한 강조 등 광범한 기술을 이용한다. 일러스트레이션의 작가를 일러스트레이터라 한다

일루전(illusion)

환상, 착각, 망상 등의 의미이다.
예술 작품을 볼 때 일어나는 심적 과정의 하나로 의식적인 자기 착각. 회화는 평면 위에 그린 것이지만 마치 실제의 사물에 있는 입체감, 원근감, 공간감이 그대로 나타나는 것은 일루전이 있기 때문이다.