카툰(cartoon)

정치나 정가(政街)를 풍자하는 등 정치적 내용이 담긴 한 장면 만화. 즉 시사만화, 정치풍자화.
원래는 두꺼운 종이, 판지 등을 말하지만 전용되어 밑그림, 화고, 시사만화라고도 한다.
정치현실이나 정치권력 배후의 모순을 풍자하거나 비평함으로써 독자에 호소하여 공감을 불러일으키는 일이 목적이다. 신문 잡지에 게재되는 시사 만화, 풍자화라는 뜻도 있다.

캐리커처(caricature)

시국 풍자나 인생의 유머를 다룬 모든 회화의 총칭.
회화 또는 풍자화를 캐리커처(caricature)라고 하는데, 이는 어원은 ‘과장된 것, 왜곡된 것’ 등의 뜻을 지닌 이탈리아어 ‘caricatura’에서 나온 말이다. 일반적으로는 과장된 인물화를 캐리커처라 한다.
사건의 양상이나 인간의 자태 등을 그 특징을 잡아 익살스럽게 표현한 그림이나 문장으로 흔히 과장법이 취해지며, 풍자, 우의, 해학 따위를 내용으로 한다. 풍자화, 희화, 만화 등도 캐리커처의 일종이다. 대개 조소(嘲笑), 우의(寓意) 등을 수반한 과장된 표현으로 시국을 풍자하고 권위에 반항하며 위선을 폭로하는 등의 성격을 띤다.
인쇄 매체에 발표되는 정치 풍자화를 카툰이라고 하여 이것과 구별하고 있으며, 기원은 멀리 이집트까지 거슬러 올라간다. 그러나 풍자화가 하나의 장르로서 확립을 보게 된 것은 17-18세기이며 프랑스의 칼로, 영국의 호가드, 롤랜드슨 등에 의해서였다. 스페인의 화가 고야의 환상적인 우의화, 19세기 프랑스의 도미에, 그랑비유, 모니에 등의 정치, 사회 풍자화에 의해 근대 만화는 전성기를 맞는다.

캐릭터(character)

'성격', '인물'이라는 뜻. 소설, 극, 만화 등에 등장하는 인물이나 동물. 또는, 그 외모나 내용에 독특한 개성과 이미지가 부여된 존재. 상업적인 목적이나 이미지 전달을 위한 효과적인 시각적 표현물. 캐릭터란 특징적 시각표현으로서 그 자체가 독특한 성격을 강하게 지닌 시각적 대상물이며, 독립적으로 존재하거나 기업이나 단체, 제품, 서비스, 아이디어, 행사 등을 위한 대상을 상징하기 위하여 창조된 형태라고 규정. 기업이나 제품의 개성, 특징을 표현한 인간적인 뉘앙스로 기업이나 상품, 상표에 개성을 주어 친근감을 갖게 하기 위하여 사용된다. 캐릭터는 동식물을 의인화한 것이 많으며 특정의 동작이나 자세, 표정 만들기, 이 것들의 베리에이션(Variation)에 의해 개성 표현의 폭을 넓히게 하는 수법이 사용됨

캐프로, 앨런 Kaprow, Allen(1927-)

미국 화가이며 해프닝의 창시자. 애틀랜틱시티 태생. 1945-1949년 뉴욕 대학에서, 1947-1948년 호프만 스쿨에서 공부하였다. 이후 1950-1952년 컬럼비아 대학의 마이어 셔피로에게 미술사를 배웠으며 1956-1958년 존 케이지에게 음악교육을 받았다. 1953-1961년 럿거스 대학, 1960-1961년 프랫 인스티튜트, 1961-1969년 스토니브룩에 있는 뉴욕 주립대학, 그 이후에는 로스엔젤레스에 있는 켈리포니아 인스티튜트 오브 아츠에서 학생들을 가르쳤다. 1958년 『아트 뉴스』에 게재된 논문에서 캐프로는 미술에서 장인 정신과 영구성을 버려야 한다고 말하고, 사라지기 쉬운 재료를 도입할 것을 주장하였다. 그는 해프닝의 창시자라고 할 수 있는데, 그의 견해에 따르면, 아상블라주는 '조정되고 감상되어지는 것'이며 *환경 미술은 '발을 들여놓는 것'이지만, 해프닝은 관람자의 참여를 끌어들이는 것이며 더 이상 미술관이나 갤러리에 국한되지 않는 실제적인 '사건(event)'이다. 1960년대 동안 캐프로는 예수로가 실제 경험 사이의 경계를 파괴하면서, 일상생활의 연장선상에서의 환경 미술 연극 혹은 *퍼포먼스 아트의 방향으로 해프닝을 발전시켰다. 미학적으로 기획하는 데 있어서 우연과 불확정성의 개념을 사용한 것은 존 케이지의 영향이다. 그의 첫 번째 주요 전시회는 1959년 루빈 갤러리에서 《열린 여섯 부분으로 나누어진 열 여덟 가지 해프닝≫이라는 제목의 전시회였다. 이후 1961년 암스테르담 국립 미술관에서의 《환경≫ 전과 스톡홀름 현대미술관, 1963년 파리 국립 극장에서의 《해프닝≫ 전, 1966년 보스턴 인스티튜트 오브 컨템퍼러리 아트와 뉴욕의 센트럴 파크의 전시회를 비롯하여 많은 전시회에 참가하였다. 1967년 패서디나 미술관에서 회고전이 개최되었다.

컨템퍼러리 스타일(contemporary style)

1945년에서 1956년의 기간 동안 '컨템퍼러리'라는 단어는 많은 영국의 비평가들이 그 시대 의 미술, 건축, 그리고 디자인을 기술하기 위해 사용하였다. 예를 들면 컨템퍼러리 미술 재 단이 1947년에 설립되었고, 허버트 리드의 <컨템퍼러리 영국 미술>이라는 책이 1951년에 출간되었다. 컨템퍼러리 양식의 특징은 응용미술에서 대단히 돋보이는데, 그것은 명랑함, 쾌 활함, 미세함 등이다. 이러한 외양은 가구에서 검은 목재 대신에 얇은 금속 막대와 엷은 색 의 목재를 사용한 데서 기인하였다. 금속 가구는 다리에는 플라스틱 얼룩이 밝게 채색되어 있다. 이러한 것은 나움 가보, 콜더, 헤프워드의 조각에서 유래한 일종의 매너리즘이다. 벽지 와 직물 디자인에서는 눈 결정체, 관 모양 또는 길게 늘어진 육모꼴과 같은 기하학적 문양 이 선호되었다. 컨템퍼러리 스타일은 1951년 영국의 전시 행사에서 일반에게 보급되었다. 이 때 '페스티벌 양식(Festival Style)' 또는 '남부 은행 양식(South Bank Style)' 이라는 또 다른 용어도 만들어졌다. <디자인>이라는 잡지는 이 양식을 '새로운 영국 양식' 이라고 칭하기도 하였다. 현 대 디자인의 권위자들은 페스티벌 양식이 실제로 존재했다는 점을 인정하지 않고 있다. 그러나 그들도 그러한 어휘가 쓰여지고 있는 것은 인정하고 있다. 리차드 해밀튼은 이것을 컨템퍼러리 스타일의 하위 등급으로 간주한다. 피터 쿡은 1592년의 디자인이 전후의 부산물의 혼합체(합판 제품, 소형 기계의 기술공학)와 30년대의 양식을 내포하고 있다고 말한다. 많은 컨템퍼러리 스타일은 제품 디자인에 편중되어 있고, 그 외의 분야에서는 잘 활용되지 못하고 있다

컴바인 페인팅(Combine Painting)

콜라주의 확대된 개념으로서 이차원 혹은 삼차원적 물질을 회화에 도입하려는 시도의 미술 운동. 컴바인 페인팅에서는 보통 이러한 물질을 캔버스, 벽, 기타 다른 표면에 덧붙인다. 미 국 미술에 있어서 'combine' 이라는 말은 로버트 라우센버그에 의해 정의된 것인데 그는 대 담한 회화 스타일에다 현대 미국 소비 문명의 폐기물들 - 만화, 콜라병, 종이, 나무, 고무, 금속, 천은 물론 박제된 동물이나 작동하는 라디오, 선풍기, 전구 -을 사용했다. 그리고 그 결과는 추상 표현주의의 시적 표현과 현실에 잇닿는 물적 소재에로 접근하려는 다다 적인 노력의 융합으로 나타난다. 라우센버그의 '컴바인'은 1953년부터 1960년대 초까지 계속되었다. 이것은 1950년대의 미술에서 유행하던 폐물의 사용과 회화적, 조각적, 개념에 환경주의적 미술을 융화시키려는 경향이 증가했음을 반영해 주는 것이다.

컴퓨터 그래픽스(computer graphics)(영)

컴퓨터 처리에 의해서 작성된 화상정보의 총칭. 그래픽 표시장치의 성능 향상과 가격 하락, 화상 처리용 소프트웨어의 급속한 발달로 응용분야가 급격히 확대되었다. 그 쓰임새는 CAD(computer aided design), 시뮬레이션, 리모트센싱, 의료용 CT 영상을 비롯한 각종 화상처리, 컴퓨터 아트*, 애니메이션*, 그래프 작성, 신문이나 서적의 편집, 컴퓨터 게임 등 무궁무진하다. 컴퓨터 그래픽스에 쓰이는 기기에는 디스플레이 장치, 라이트 펜, 태블릿, 조이스틱 등의 도형 입출력 장치와 이미지 정보입력용의 광학 스캐너 등이 있다.
컴퓨터로 도형이나 화상을 처리하는 데 필요한 기술로서 도형을 작성, 이동, 변형시키는 기술과 디지털화한 이미지 정보를 변환시키는 기술이 있다. 도형을 컴퓨터로 처리할 때에는 기본적인 도형을 정의하고, 직선 및 대칭이동의 방향과 회전이동의 중심 및 각도를 지정하고, 확대, 축소할 수 있는 명령들이 필요하다. 이런 것은 삼차원의 도형에도 적용되며 입체도형을 회전시켜 임의의 방향에서 본 투시도를 작성하거나 임의의 면에서 본 단면도를 작성할 수 있다. 시간적으로 연속하여 이동, 변형하면 동화상(動畵像)이 된다. 이미지 처리 기술은 디지털화한 화상정보에 샘플링의 밀도 변화, 계조(階調)나 색상의 변환, 필터링 등을 하는 것이다. 이를 통해 화상에 특수한 효과를 낼 수도 있고 유용한 정보만을 부각시킬 수도 있다. 최근에는 이러한 도형처리와 이미지 처리 기술에 대한 표준화 작업이 진행되고 있다.

컴퓨터 아트(computer art)

컴퓨터를 이용해서 창조하는 예술. 통계적인 사항의 프로그래밍의 변화를 회화적 조합으로 표현하기 위해, 기호에 의한 자동적이고 기계적인 순차적 구조를 시각화하는 미술의 한 경 향을 말한다. 창작가의 표현에 새로운 가능성을 연 신예술 분야로 알려지고 있으며, 대부분 은 기술이 지니고 있는 본질적인 특질을 예술의 영역에 도입한다는 방향에서 예술적 표현이 행해지고 있다. 따라서 컴퓨터 미술가들은 처음에는 기술자로 시작하여 자신의 작품에서 표출되는 흥미로운 결과에 심취하게 되었다. 미국의 기술자인 윌리엄 A. 페터는 그 대 표적인 예에 속한다. 그는 비행기 조종실의 효과적인 배치를 위한 컴퓨터 드로잉으로 여러 가지 미술상을 수상했다. 컴퓨터 미술은 그 양식을 정의하기가 힘들다. 엄청나게 다양한 작품이 만들어지므로 어느 하나를 선택해서 모범을 삼을 수는 없기 때문이다. 이 분야의 주요한 전람회는 '인공 두뇌 학의 우연한 발견 재능(Cybernetic Serendipity)' 으로서 제시어 레이차트에 의해 조직되어 1968년 런던의 현대 미술 협회에서 개최되었다. 슈뢰더는 '컴퓨터 미술 - 내일의 전야' 라 는 순회 전시회를 조직했는데, 1969년 하노버에서 처음 전시된 후 뮌헨, 함부르크, 오슬러, 브뤼셀, 로마, 그리고 토쿄로 옮겨갔다. 1970년 베네치아 비엔날레에서는 컴퓨터 그래픽을 위한 부문이 마련되었다. 미국에서 열린 전시회로는 1965년 뉴욕 하워드 와이즈 화랑에서 열린 '세계 컴퓨터 그래픽 전시회', 1965년 라스베이거스에서 열린 '추계 합동 컴퓨터 회의 ', 그리고 서부 미술 박물관 협회에 의해 개최된 순회 전시회가, 1966년 뉴햄프셔주 하노버 의 다트머스 대학에서 최초의 전시회를 가졌다. 컴퓨터 미술에는 전통적인 비평 기준이 적용될 수 없으며 또한 인간의 손을 거의 필요로 하지 않는다는 사실은 몇몇 비평가들에겐 커 다란 방해물이 되어 결국 그들은 이것을 예술로서 받아들이기를 거부했다. 미학적 가치를 지닌 작품이 미래에는 미술을 애호하는 대중의 의견과 태도에 엄청난 영향을 미치게 될 것이다. 왜냐하면 그것은 인간성과 과학이라는 '두 가지 문화'를 독특한 방법으로 결합시킬 것이기 때문이다. 헤르베르크 W. 프랑케의 말에 의하면 그것은 어떤 수단도 해낼 수 없었던 미술과 기술, 그리고 과학 사이의 상호 작용을 설명해준다.

코믹스(comics)

4컷 이상이 연결되어 스토리가 이루어지는 만화, 이것은 주로 미국에서 쓰는 말이며, 유럽에서는 보통 카툰이라고 한다. 한국과 일본 , 중국 등지에서는 만화라고 하며, 소설처럼 긴 스토리를 엮어나가는 만화는 극화(劇畵)라고도 한다.

쿨 아트(Cool Art)

'차갑다' 또는 '춥다'라는 형용사는 감각이나 감정에 호소하기보다는 지성에 호소하고 무관심, 엄격함, 합리성, 심원함, 비인격성, 금욕 등과 같은 성질을 보여주는 다양한 형식의 예 술의 특징을 기술하기 위해 최근의 많은 비평가들이 은유적인 의미로 사용하였다. 일반적으 로 쿨 아트는 날카로운 윤곽이나 형식, 그리고 반복적인 구조와 단위로 이루어져 있어, 추상 적이고 기하학적이다. 예를 들면, 추상적인 예술작품을 만들었던 스위스의 화가 거스트너는 <차가운 미술>(1957/63)이라는 표제로 책을 출간했다. 1964년에 필립 라이더는 로버트 어 윈, 프라이스, 구드, 루샤, 벨과 같은 일단의 로스엔젤레스 화가들을 '차가운 유파(The Cool School)' 라고 칭했는데, 그것은 그들이 작품이 불필요한 것에 대한 증오, 간결함에 대한 열 망, 제작의 정확성, 표면의 완벽성을 드러내 보이고 있기 때문이라고 하였다. 차가운 미술의 '차가움'은 하드 엣지, 미니멀 아트, 펀더먼털 회화, 심지어 팝 아트에서도 발견된다.

큐레이터(curator)

미술관에서 발생하는 모든 일들을 처리하고 수행하는 사람. 보통 학예원이라 한다. 원래 큐 레이터는 '관리자'에서 유래한 말이기 때문에 그것은 자료의 관리자, 다시 말해서 '미술관 자료에 관하여 최종적으로 책임을 지는 사람'을 지칭한다. 큐레이터는 그 기능에 따라서 연 구를 담당하는 직종, 교육 및 보급을 담당하는 직종, 전시 관계의 업무를 담당하는 직종 등으로 각각 나뉘어진다. 이처럼 연구, 교육, 실무 이외에도 기술적인 문제들을 해결하는 일도 있다. 작품의 수집과 보존 그리고 전시 기술과 더불어 작품의 실물 및 현상에 관련된 도서 나 문헌 등에서부터 녹음, 녹화에 이르는 모든 자료에 관한 조사를 토대로 이를 ① 채집② 구입 ③ 교환 ④ 제작 ⑤ 수여 ⑥ 기탁과 같은 단계를 거쳐 최종적으로 전시, 보존, 복원, 보호하는 일을 담당한다. 1984년에 제정된 우리 나라의 박물관법 제 5조 1항은 큐레이터 제 도의 의무적인 법적 적용에 대하여 언급한 부분이다. 그 내용을 소개하면 " 박물관에는 박 물관 자료의 수집, 보존, 관리, 전시, 조사, 연구 기타 이와 관련되는 전문적인 사항을 담당하는 직원을 두어야한다." 고 밝히고 있다. 메트로폴리탄 미술관의 해리 파커는 "현대 미술 관은 자료의 전문가 이외에도 인간에 대한 새로운 전문가를 필요로 하고 있다"고 전제, 전 문가를 훈련, 양성하는 프로그램으로 미술, 미술관, 사회학 등 관련 항목을 포함한 교육 이 론, 교육 관찰, 미술관 관찰, 시청각 전시 기획, 지각력, 시험과 평가, 지역 사회와 프로젝트 등을 제안한 바 있다. 큐레이터(curator) 미술관에서 발생하는 모든 일들을 처리하고 수행하는 사람. 보통 학예원이라 한다. 원래 큐레이터는 '관리자'에서 유래한 말이기 때문에 그것은 자료의 관리자, 다시 말해서 '미술관 자료에 관하여 최종적으로 책임을 지는 사람'을 지칭한다. 큐레이터는 그 기능에 따라서 연 구를 담당하는 직종, 교육 및 보급을 담당하는 직종, 전시 관계의 업무를 담당하는 직종 등으로 각각 나뉘어진다. 이처럼 연구, 교육, 실무 이외에도 기술적인 문제들을 해결하는 일도 있다. 작품의 수집과 보존 그리고 전시 기술과 더불어 작품의 실물 및 현상에 관련된 도서 나 문헌 등에서부터 녹음, 녹화에 이르는 모든 자료에 관한 조사를 토대로 이를 ① 채집② 구입 ③ 교환 ④ 제작 ⑤ 수여 ⑥ 기탁과 같은 단계를 거쳐 최종적으로 전시, 보존, 복원, 보호하는 일을 담당한다. 1984년에 제정된 우리 나라의 박물관법 제 5조 1항은 큐레이터 제 도의 의무적인 법적 적용에 대하여 언급한 부분이다. 그 내용을 소개하면 " 박물관에는 박 물관 자료의 수집, 보존, 관리, 전시, 조사, 연구 기타 이와 관련되는 전문적인 사항을 담당하는 직원을 두어야한다." 고 밝히고 있다. 메트로폴리탄 미술관의 해리 파커는 "현대 미술 관은 자료의 전문가 이외에도 인간에 대한 새로운 전문가를 필요로 하고 있다"고 전제, 전 문가를 훈련, 양성하는 프로그램으로 미술, 미술관, 사회학 등 관련 항목을 포함한 교육 이 론, 교육 관찰, 미술관 관찰, 시청각 전시 기획, 지각력, 시험과 평가, 지역 사회와 프로젝트 등을 제안한 바 있다.

크루거, 바버라 Kruger, Barbara(1945-)

미국 *개념 미술가이며 디자이너. 1970년대 중반 미술계에 투신하기 전에는 뉴욕에서 성공한 잡지와 책 디자이너로서 활동하고 있었다. 처음에는 마그달레나 아바카노비치의 영향을 받아 섬유 늘어뜨리기 작업을 하였으며, 이후 회화로 전환하였다. 1977년 흑백 사진이나 포토몽타주에 사회적인 고정관념, 특히 여성에 대한 고정 관념에 도전하는 문구를 담은 유명한 형식을 시작하였다. 페니 던퍼드는『1850년 이후 유럽과 미국의 여성 미술가 인명 사전』(1990)에서 다음과 같이 기술하였다. '많은 표어들이 '당신'이라고 불리는, 신분은 확인 할 수 없지만 악의가 있는 관람자들에게 향하는 것이다. 크루거가 페미니스트이기는 하지만, 그녀의 표어들이 특별히 남자를 향하거나 특별히 여자를 향하는 것은 아니다......대중매체의 이미지들을 이용하여 그녀는 사회적, 정치적 권력에 대한 사상을 미술과 친숙하지 않은 사람들에게 전하고자 하였으며, 바로 이러한 이유로 상당수의 작품들이 복제되어 유럽과 미국의 도시의 광고 게시판에 붙여졌다.'

키네틱 아트(Kinetic Art)

움직임을 중요시하거나 그것을 주 요소로 하는 예술 작품을 말한다. 옵 아트 등의 시각적인 변화속에 나타내는 것과는 달리, 작품 그 자체가 움직이거나 또는 움직이는 부분이 조립된 것. 따라서 작품은 거의가 조각의 형태를 취하고 있다. 이러한 경향은 미래주의와 다다 이즘 에서 파생된 것으로 최초의 작품 예로는 마르셀 뒤샹이 1913년에 자전거 바퀴를 써서 제작 한<모빌>이라는 조각을 들 수 있다. 1922년에는 나움 가보가 <키네틱 조각>이라는 이름의 작품을 발표했으며, 그 후 모흘리 나기는 이런 일련의 움직이는 작품을 키네틱 아트라고 불렀다. 이후 현재까지 이런 범주에 드는 작품들이 꾸준히 의식적으로 제작되고 있다. 키네틱 아트는 크게 두 가지 계열로 분류할 수 있다. 하나는 에너지의 근원(주로 바람, 자력, 그리고 관객 자신)에 따라 분류되는 것으로 미래주의와 구성주의에서 유래한 계보이다. 또 하나는 다다이즘과 초현실주의에서 유래한 것으로 작품 제작에 있어서 정신을 중요시하 는 방향이다. 여기에서 정신이라 함은 동작 중인 순수한 형태를 창조하려는 욕망, 또는 풍자 나 일시적인 기분을 표현하려는 욕망을 뜻하는데, 때로는 넌센스를 의미하는 수도 있다. 전 자는 쟈코모 발라와 포르투나토 데페로 등의 미래주의자들이 그 선구자로서 나움 가보, A. 콜더, 조지 리키, 등으로 이어지고 있다. 또한 구성주의적 전통 속에서 키네틱 조각을 제작 한 모홀리 나기와 토머스 윌프레드도 이 계열에 포함된다. 한편 다다, 초현실주의적인 키네틱 아트는 1920년대 초에 만 레이와 쿠르트 슈비터스로부터 시작되어 프랑스의 폴 뷔리와 스위스의 팅겔리, 미국의 로버트 브리어로 이어지고 있다. 뷔리의 섬유판과 목재 원반 그리고 금속 막대기는 숨겨진 모터에 의해 작동하도록 되어 있는 데, 이 기계는 유사 생물학적인 생명의 상태를 지향하고 있는 듯 하다. 팅겔리는 인간의 행동을 풍자적으로 모방한 여러 가지 기괴한 기계들을 만들어 냈는데 그 중의 하나가 <뉴욕 찬가(Homage to New York)>이다. 피아노, 자전거, 선풍기, 인쇄기 등을 모아서 만든 이 작품은 기묘한 동작을 되풀이하면서 불을 뿜고 소음을 내며 스스로 파괴되도록 고안된 것이었는데, 여기에는 운동보다는 변화가 물체의 본질이라는 팅겔리의 예술관이 반영되고 있다. 1960년대는 키네틱 아트의 황금 시대였다. 스톡홀름의 근대미술관에서 개최된 '예술에 있어 서 움직이는 것'전이 열린 것도 1961년이었는데, 그것은 키네틱 아트의 '황금의 60년대'를 예고하는 중요한 전시회였다. 키네틱 아트라는 말이 미술계에서 일종의 공용어가 되었던 것 도 이 시기였다. 서독의 오토피네, 하인츠 마크, 귄터 웨커의 '제로 그룹'은 새로운 소재의 이용과 자연과 인공의 빛을 이용한 키네틱 아트의 방향을 강조했다. 또 프랑스에서는 운동 과 빛에 의한 키네틱 아트의 작가들이 '시각예술 탐구 그룹'을 결성하여 이 두 개의 집단에 서 라이트 아트의 계보가 발생한다. 라이트 아트는 미국에서도 미술의 한 분야를 이루었다. 1970년대에 들어오면서, 키네틱 아트는 급속히 쇠퇴한다. 1960년대의 빛, 움직임, 소리로 대 표되던 키네틱 아트의 미학적 요소에 의한 구성 대신에 물, 안개, 연기, 불, 생물적 요소를 포함하는 일종의 생태학적 방법론 쪽으로 옮겨가기 시작했다. 또 한편으로는 커뮤니케이션 미디어의 재발견이라는 점에서 비디오 아트, 레이저 아트, 홀로그래피 등의 첨단적 기술로 접근해 가는 미술가들도 생겨나고 있었다. 이러한 변모에서 특징을 이루고 있던 것은 기계 장치의 운동에 역점을 두었던 키네틱 아트가 1920년에서 1960년까지로 종말을 고하고, 기계 의 운동 자체보다는 그 영향에 의한 여러 가지 효과와 결과에 주안점을 두는 키네틱 아트로 옮겨가는 것이다.

키네틱 조각(Kinetic Sculpture)

작가 야코프 아감(이스라엘), 폴 뷔리(프랑스), 조지 리키, 니콜라 쇠페르(프랑스), 헤수스 라파엘 소토(베네수엘라), 장 팅글리(스위스)
시기 1950년대 말- 1960년대
지역 국제적 그러나 주로 유럽인들이 관심을 보임
내용 '키네틱 조각'은 손이나 기류 또는 모터를 동력으로 하여 움직이는 부분이 포함되어 있는 조각이다. 키네틱 조각은 다다 미술가인 마르셀 뒤샹이 1913년에 회전하는 자전거 바퀴를 등받이 없는 의자 위에 올려놓음으로써 시작했다. 1920년대에 동구권 미술가인 나움 가보와 라즐로 모흘리-나기는 기계를 닮은 키네틱 조각을 실험적으로 제작하기 시작했다. 그리고 그 직후 미국인 알렉산더 칼더는 교묘히 균형잡혀 있는 철사틀에 조각적인 요소가 매달려 있는 '모빌'을 발명했다.
키네틱 조각은 하나의 양식으로만 제한되지 않지만, 테크놀로지를 향한 20세기의 열광적인 반응을 착상의 근원으로 삼고 있는 것은 모든 키네틱 조각의 공통점이다. 따라서 키네틱 조각에 포함되는 접근방식은 광범위하다. 조지 리키의 구성작품에서는 강철막대가 바람에 흔들리며 자연요소에 반응한다. 장 팅글리의 1960년도 키네틱 폐품 조각인「뉴역에 대한 경의」는 뉴욕 근대미술관의 정원에서 전시 도중 자체 분해되어 산업시대에 대해 어둡고 풍자적인 견해를 보여줬다.
키네틱 조각에서의 현대적 기계 사용은 레이저나 컴퓨터처럼 더 발전된 하드웨어를 이용하는 미술가들에게 선구적 역할을 한 동시에 하이테크 미술가들에게 아이디어를 제공했다. 하이테크 미술작품은 기법상으로 보면 키네틱 조각이라 할 수 있지만 대개는 미술과 테크놀로지 운동과 관련지어 생각되는 경우가 더 많다.
현재 키네틱 조각을 제작하는 젊은 미술가는 소수인데 마크 폴린과 생존연구실험소(Servival Reserch Laboratory)가 가장 유명하다. 샌프란시스코에서 활동하는 미술가들의 모임인 이 연구소는 본래 단순한 기술(low-tech)로 제작된 무시무시한 기계들이 불협화음을 내며 서로 싸움을 벌이는 장관을 연출해냄으로써 테크놀로지의 무기화와 도시라는 정글 속에서의 삶이라는 험난한 현실을 연상시켰다.

키엔홀츠, 에드워드 Kienholz, edward(1927-1994)

미국 설치 미술가. 워싱턴 주 페어필드 태생. 동부 워싱턴 교육 대학에서 공부한 후, 로스앤젤레스에 나우 갤러리와 퍼러스 갤러리를 열었다 케엔홀츠는 캘리포니아의 *펑크 아트 화파에 속하는데, 현대 생활의 기이하고 하찮은 단편들을 이용하고 실제 오브제로 구성된 환경 속에 인간의 육체 혹은 시체를 설치하여 공포스럽고 소름끼칠 정도로 섬뜩한 상황을 만들었다. 1967년 뉴욕 현대미술관에서 열린 《아상블라주 미술 전≫에 출품하였다. 1967년 워싱턴 모던 아트 갤러리에서의 개인전을 비롯하여 여러 차례 개인전을 개최하였으며, 1974년에는 유럽의 주요 도시를 순회하며 전시회를 열었다. 살인, 섹스, 죽음, 부패와 같은 잔혹한 이미지는 관람자로 하여금 상상을 하게 만드는 동시에 이를 막기도 한다. <주립 병원>(1964-1966, 스톡홀름 현대미술관)이 전형적인 예이다. 1975년 베를린에서 작업하기 시작하였으며, 작품 속에 명백한 사회적 의미를 담았다. 1977년 낡고 조잡한 모조 라디오 수신기로 구성된 전시회를 개최하였는데, 이 라디오 수신기가 작동하면 나치 정신을 상기시키는 듯한 바그너의 음악이 소란스럽게 연주되었다.

키치(Kitsch)

‘키치’란 일상생활용품 같은 통속미술작품을 의미한다. 키치는 에펠탑 모양을 한 램프, 벨벳 천 위에 그려진 앨비스 프레슬리의 초상화, 로맨스 소설의 표지에 나오는 자극적인 일러스트레이션 등을 포함한다. 키치란 용어는 ‘verkitschen(싸게 만들다)’이라는 독일어 동사에서 나온 말이다. 키치는 산업시대가 낳은 엄청난 대량생산능력과 여유있는 소득의 부산물이다.
평론가인 클레멘트 그린버그는 키치를 아방가르드 미술과 반대되는 ‘후방(rear-guard)’ 미술로 규정했다. 1939년 가을호『파티잔 리뷰』에 실린「아방가르드와 키치」란 논문에서 그린버그는, 키치는 정해진 법칙에 의해 결정된다. ‘키치는 간접경험이며 모방된 감각이다. 키치는 양식에 따라 변화하지만 본질은 항상 똑같다. 키치는 이 시대의 삶에 나타난 모든 가짜의 요약이다.’라는 견해를 밝혔다. 그린버그는 키치의 정의를 광범위하게 규정하여 재즈음악과 광고, 그리고 헐리우드 영화와 광고용 일러스트레이션도 포함시켰으나, 현재 이러한 것들은 일반적으로 키치로 분류되기보다는 대중문화로 간주된다. 비록 그린버그의 정의는 지나치게 광범위하지만 키치가 결정되는 법칙에 대한 그의 분석은 현재까지도 적절하다. 오늘날 키치는 조악한 감각으로 여겨지는 대상들을 깎아내리며 부르는 용어로 가장 많이 사용된다.
키치에 대한 태도는 1960년대 초 팝아트의 등장으로 더욱 복잡하게 되었다. 그전에는 저속하다고 치부되던 작품들이 통속미술의 낮은 위상을 충분히 인지하고 있던 사람들에 의해 옹호되었다. 키치에 대한 이러한 역설적인 태도는 1964년 가을호『파티잔 리뷰』에 문화비평가 수잔 손탁의 「‘캠프’에 관한 주석」이 실리고 난 뒤 ‘캠프’로 알려지게 되었다.
통속미술과 고급미술간의 구별을 모호하게 만드는 태도는 모더니즘이 퇴조하고 포스트모더니즘이 등장하는 데에 결정적인 실마리가 되었다. 토요일 아침에 방송되는 TV만화의 주인공들을 주제로 삼은 작품을 제작한 케니 샤프와 카드에 그려진 우스꽝스러운 인물들을 차용한 줄리 웩텔 등을 비롯해서, 1970년대 말부터 키치는 여러 미술가들이 즐겨 다루는 주제가 되었다.