다


다다(Dada)

1915년경 스위스, 독일, 프랑스 등 유럽과 미국에서 일어났던 반문명, 반합리적인 예술 운동. 제1차 세계대전을 초래한 전통적인 서구 문명을 부정하고 기성의 모든 사회적, 도덕적 속박에서 정신을 해방하여 개인의 진정한 근원적 욕구에 충실하고자 했다. 조형예술(造形藝術)뿐만 아니라 넓게 문학, 음악의 영역까지 포함한다. 다다란 본래 프랑스어(語)로 어린이들이 타고 노는 목마(木馬)를 가리키는 말이나, 이것은 다다이즘의 본질에 뿌리를 둔 ‘무의미함의 의미’를 암시하는 것이라고 하겠다

다다(Dada)

* 작가 - 장(한스) 아르프(독일), 마르셀 뒤샹(프랑스), 막스 에른스트(독일), 한나 회흐(독일), 프란시스 피카비아(프랑스), 만 레이, 모턴 샘버그, 크르트 슈비터스(독일)
* 시기 - 1915년 - 1923년
* 지역 - 뉴욕과 서유럽
* 내용 - 20세기초의 미술운동인 ‘다다’가 이 책에 포함된 이유는, 20세기 후반의 미술을 이해하기 위해서는 다다의 미술 형태와 아이디어 그리고 태도를 언급하지 않을 수 없기 때문이다.
다다란 여러 나라의 말에서 찾을 수 있는 단어로 다양한 뜻을 지니고 있다. 불어로 다다란 ‘목마’를 의미하며 슬라브어에서는 ‘예’를 뜻한다. 다다란 명칭이 탄생한 경위에 대해서는 의견이 분분한데, 그 중 하나에 따르면 1916년에 시인인 트리스탄 차라가 사전을 놓고 펜나이프를 아무데나 집어넣었더니 다다라는 아무 의미가 없는 음성어가 나와 명칭으로 결정되었다고 한다.
다다는 제 1차 세계대전 중과 그 직후에 탄생했는데, 처음에는 취리히, 뉴욕, 바르셀로나 같은 중립도시에서, 그리고 나중에는 베를린, 쾰른, 파리에서 일어났다. 다다는 ‘세계대전’이 만들어낸 천만 명 이상 되는 사망자들의 비극적 희생에 대한 미술가들의 반응이라 할 수 있다. 새로운 기계문명시대의 테크놀로지가 인류를 황폐케 했다는 사실은 많은 사람들로 하여금 현대 문명의 이기를 얻는 대가가 너무나 큰 것이 아닌가 하는 의문을 품게 만들었다. 다다 미술가들은 합리적이라고 생각되던 과학과 테크놀로지의 발전이 결국은 유럽문명을 거의 자멸시킨 원인이 되었다고 비난했다. 다다 미술가들은 합리적인 것과는 정반대의 미술로 반응했다. 그들에게는 부조리와 장난기, 대항과 허무주의, 직관과 감정적인 면이 동시에 존재하고 있다.
따라서 다다는 하나의(또는 여러 가지의) 미술양식이 아니라 세계관을 가리키는 말이다. 또 다다의 비합리적인 태도가 미술작품에만 국한되어 표현된 것도 아니다. 스튜디오에 박혀서 작품을 제작하기보다는 선동가로서 활발하게 활동하던 다다 미술가들은 대중을 상대로 한 선동적인 이벤트를 마련했다. 그 결과 다다는 매우 다양한 양상을 보여주었다. 예를 들면 취리히의 볼테르 캬바레에서 민중을 선동할 목적으로 열린, 여러 예술형태가 혼재된 프로그램 ㅡ퍼포먼스 아트를 예견케 해주는ㅡ에서부터 기성품과 같이 마치 철학적인 물음을 던지는 듯한 마르셀 뒤샹의 수많은 창작품들을 들 수 있다.
장 아르프의 우연성을 이용한 구성 시리즈는 만 레이의 위협적인 오브제ㅡ「선물」(1921)이라는 제목의 못이 박힌 다리미처럼ㅡ와 마찬가지로 ‘미술이란 어떤 것이다’라는 전통적인 개념을 무너뜨린 작품이다.(이러한 오브제는 초현실주의가 등장하는 데 일역을 하였다.) 프란시스 피카비아와 뒤샹은 체재에 있어서는 좀더 전통적인 미술형태인 회화, 조각, 구성작품을 제작하기도 하였지만 인간을 기계 형상으로 표현하는 등은 당시 거의 이해되지 못했다.
다다미술은 부조리를 대담하게 표현해 냄으로써 많은 관람자들을 격분하게 만들었다. 부르주아 계급을 향한 다다의 비판적 태도는 다다 뿐만 아니라 모든 현대미술의 특징이지만, 다다는 중산층의 도덕률을 거부한 점에서 가장 신랄한 모더니스트로 꼽힌다. (상품화란 미술의 역할을 조명한 개념미술과 1980년대 후기의 미술작품들은 다다의 아이디어와 태도에 그 뿌리를 두고 있다.) 후대에 ‘반예술’이라고 적절히 일컬어진 다다 오브제는 아이로니컬하게도 현대의 미술시장에서 값을 매길 수 없을 정도로 가치 있는 걸작으로 간주되게 되었다. 그리고 이제 뒤샹은 파블로 파키소와 함께 20세기를 통틀어 가장 영향력이 큰 미술가로 추앙받고 있다.

다다이즘

'다다이즘'은 양식이라기 보다도 일종의 운동이라고 할 수 있다. 즉 미술 한 부분에 국한 된 것이 아니라 문학과 음악 등의 다른 예술 분야에서도 동시에 시작되며, 모든 예술장르를 통해 그들이 가지고 있었던 생각을 표현하는데 수단으로 삼았다. 肩關, 다다는 총체적 예술 운동이라고 할 수 있다. 다다이스트들의 목적은 단 하나, 기존 문화에 대한 철저한 부정, 더 나아가 파괴였는데, 합리주의적이고 이성적인 아카데미 미술에 대한 거부로 이들은 '우연의 원리'를 선택했다. 소음주의 음악, 아프리카 부족의 토속어로 지어진 시, 언어가 아닌 음성으로만 만들어진 음 성시, 여러 사람이 한꺼번에 읊어 대는 동시 등이 만들어지게 되고, 아무런 뜻도 알 수 없는 연극과 퍼포먼스가 상연되기도 했다. 다다 운동은 스위스, 미국, 독일, 프랑스 등지에서 일어났고 행위들은 공연이나 행사 자체가 미술이 될 수 있다는 점, 그리고 방법상의 다양성을 특징으로 그 영역을 빠르게 확산시켰다. 다다 미술가들의 공통점은 모더니즘의 전통을 이어받아 새롭고도 도전적인 자세를 취하며, 미술이란 어떤 것이어야 한다는 기존관념에 도전하고자 하는 의지를 가졌다는 데서 찾을 수 있다. 다다이즘이 공통적으로 추구했던 '우연의 원리'는 예술의 합리성과 논리성은 삶 자체가 가지고 있는 우연성을 표현해 내지 못하며, 따라서 예술과 삶의 경계를 허물기 위해서는 예술 이 '우연의 원리'에 따라야 한다는 의미를 지니고 있다. 또한 '우연의 원리'에 의한 행위 예술은 기존 체제를 벗어나는 수단이 되었을 뿐만 아니라, 예술이란 품위가 있어야 한다거나 실제적인 의미가 있어야 한다는 규정을 벗어난 것이기도 했다. 다다 운동의 시초인 쮜리히 다다는 유럽전역에서부터 전쟁을 피해 중립국 스위스로 온 작가들에서부터 시작되었다. 시인과 음악가, 화가들이 모여 시 낭송 모임, 연주회, 전람회, 평론 발표 등을 통해 서구 문화 전통을 신랄히 비판했다. 전쟁으로 인해 상처를 입은 이들은 매우 염세적이면서 부정적인 시각을 가지고 있었다. 쮜리히 다다의 세 가지 특징적 요소는 소음과 동시성, 그리고 우연성이었다. 음악에서의 소음, 문학에서의 동시성, 그리고 미술에서의 우연성은 각각 그 분야의 성질에 맞게 각색된 새로운 시도였다. 전쟁이 종반에 들어서면서 쮜리히 다다는 종말을 고하게 되고 마르셀 뒤샹과 피카비아가 뉴욕으로 이주하면서 뉴욕 다다 시대가 본격적으로 열리게 된다. 뉴욕 다다는 쮜리히 다다와 거의 같은 시기에 출연한 운동이지만 뒤샹의 활약으로 독특한 특성을 갖게 된다. 'ready made'나 반 미학사상이 그의 중요 특성이 되고 이런 활동은 뉴욕다다에 이어 나타 난 미국 현대미술에 큰 영향을 끼치게 된다. 독일 다다는 베를린을 중심으로 정치적 견해를 표명하기 위한 수단으로 좌익의 성향을 노골적으로 표방하는 정치선진의 활동과 결부하게 된다. 미술의 정치도구화가 여기서 발견된 다. 독일 다다의 기법적 특징으로 콜라주 사진기법이 있는데, 이것은 명확한 사실성을 가진 요 소들로 인하여 메시지를 선명하게 전달하려는 데 의도가 있었다. 이것은 입체파의 파피에 꼴레에서 영향받은 것으로 photo -montage라고 불리우게 된다. 다다 운동의 마지막 정착지는 파리였는데, 파리 다다의 특징은 문학적인 데가 있다. 잡지를 만드는 것에서부터 시작된 이들의 운동은 선언문, 정기 간행물, 사건 등으로 수입된 다다 양식이 아닌 프랑스 문학을 토대로 일구어 낸 특성을 가지고 있었다. 그러나 문학성이 강했던 이들의 운동은 오래가지 못하고 결국 1924년경 '초현실주의'라는 이름 아래 대단원의 막을 내리게 된다. 다다이즘(Dadaism) 미래주의에서 나타났던 과학과 과학기술에 대한 긍정적 태도와는 정반대의 부정적 입장을 위했으며, 이성과 합리에 대한 외의, 부정, 파괴, 즉 '반예술'의 태도로 우연에 의거한 제작 태도를 견지하였다. 특유의 유머가 있고 오브제를 사용하여 기성관념을 부정함으로써 현대 미술에 지대한 영향을 주었다. 다다는 어린아이의 장난감 목마를 뜻하는 프랑스어로 아무런 의미가 없다는 뜻으로 붙여진 것이다.

다문화주의(Multiculturalism)

‘다문화주의’는 민족중심주의와 반대되는 개념이다. 미술에서 다문화주의란 아시아와 아프리카, 그리고 미국의 토착민이나 백인이 아닌 집단의 문화적 전통보다 유럽의 문화적 전통을 우월하게 평가하는 것에 반대하는 태도를 말하며, 큐레이터, 평론가, 미술가들 사이에서 점점 확산되고 있다. 이 개념은 1980년대 말경 미국과 유럽에서 통용되기 시작했는데, 그 이유는 미국과 유럽에 이민으로 유입된 유색인 수가 극적으로 증가하고 이에 따라 인종차별적인 사건이 종종 발생한 데에 부분적으로 기인한다. 현대의 테크놀로지 덕분에 국경을 넘어서 정보와 사고의 즉각적인 전달이 가능해진 점도 다문화주의를 촉진시키는 역할을 했다.
다문화주의는 다른 문화의 미술을 '원시적'이거나 타인 문화의 색다른 산물로 간주하는 경향에 내재된 식민주의의 체취를 거부한다. 그리고 비 유럽적인 문화에서 제작된 미술작품은 그들의 자체적 기준에 따라 평가되어야 한다고 주장한다. 1989년 파리의 퐁피두센터에서 열린 전시회「지구의 마술사들」은 찬반양론의 논쟁을 불러일으켰다. 유명한 서양의 미술가와 제 3세계 무명의 미술가의 작품을 한 데 모아놓은 이 전시회는, 미술의 본질에 대해 판이할 정도로 다르게 생각하는 여러 문화가 존재한다는 사실을 보여줬다. 1980년대 말 무렵 미국에서 열린 스페인계와 멕시코계 미국인 미술가들의 몇몇 전시회는 신표현주의 같은 미술을 의식 없이 그대로 수용하여 그들의 작품이 탄생한 문화적 뿌리를 무시했다고 비판받았다는데, 이 비판은 적절히 내려진 것이었다.

대안공간(Alternative Space)

‘대안(代案)공간’은 1969년과 1970년 뉴욕의 그린 스트리트 98번지와 112번지 그리고 애플 스트리트 98번지에 최초로 등장한, 미술가들을 위해 그리고 미술가들에 의해 운영되는 소규모 비영리조직이다. 이러한 독립적 조직들은 대부분의 미술관과 상업화랑, 그리고 미술가협회에서 받아들이지 않았던 실험적 미술이 확산되던 시대에 꼭 필요한 독립된 조직으로 간주되었다. 또 대안공간은 여성, 아시아, 아프리카, 라틴계 미술가들의 작품을 전시함으로써 페미니즘과 다양한 민족미술을 옹호했다. 1970년대 전반에 걸쳐 이러한 대안공간은 미국과 캐나다의 대도시마다 우후죽순처럼 설립되었고 (캐나다에서는 평행화랑으로 불린다). 비록 적은 수이지만 서유럽의 주요 도시에도 등장했다.
1970년대의 다원주의는 설치미술, 비디오 아트, 퍼포먼스 아트, 개념미술 등의 전시장이었던 대안공간이 없었다면 상상할 수조차 없었을 것이다.
1980년대 초에 이르러서는 대안공간의 성격이 더욱 다양해졌다. 여전히 미술학교를 갓졸업한 미술가들의 비디오 아트나 퍼포먼스가 대안공간에서 행해지기도 했지만, 몇몇 대안공간은 많은 직원을 거느린 조직적 기관으로 발전했고 재단이나 당국 및 국립예술기금(National Endowment for the Arts: NEA)으로부터 자금지원도 받게 되었다. 최근에는 대안공간보다는 '미술가 조합'이나 '미술가가 운영하는 조합'이라는 명칭이 선호되며, 미국내의 대안공간을 대표하는 기구로 워싱턴에 본부를 두고 있는 국립미술가조합연합(National Association of Artists' Organizations: NAAO)을 발족했다.
1980년대 초에 등장한 세대가 대안공간을 미술의 상업적 중심지와 거리가 먼 ‘제도권(the establishment)’으로 치부하게 된 것은 아이러니컬한 일이다.
이러한 변화된 인식을 바탕으로 뉴욕 이스트 빌리지의 미술가들은 그들의 작품전시를 위해 다소 전통적인 성격의 화랑을 열기 시작했다.

대지 아트(大地藝術) Earth ART(영)

랜드 아트 경우에 따라서는 프로세스 아트라 불린다.1960년대 후반 영국, 독일 특히 미국에 서 성했던 미술 경향이 경향의 대표적 작가로 스미드슨이 소설가 브라이언 앨디스의 동명의 과학소설 제목에서 힌트를 얻어 전람회의 이름으로 붙임으로써 일반화된 용어이다. 대지예술은 미니멀 아트의 영향에서 '물질'로서 의 예술을 부정하려는 경향과 반문명적인 문화 현상이 뒤섞여서 생겨난 것이다. 따라서 상업주의적인 화랑, 미술관, 컬렉터라는 굴레를 벗어나지 못한 채 영구불변의 아름다움 을 목표로 삼는 종래의 미술 개념에 대한 반발에서 출발한다. 그렇기에 작품의 기획이나 소 재 방법, 경향도 각기 다르며 일반적인과는 색다른 것이다. 한마디로 기상천외한 예술 세계인 것이다. 예로 사막이나 산악, 해변, 설원 등을 소재로 그곳에 땅을 파거나 선을 긋거나 사진에 수록하여 작품으로 하며, 또는 소재인 흙, 잔디 따위의 자연물을 그릇에 담거나 그것을 직접 화랑에 전시하기도 한다. 마이클 하이저 [현재는 유실] 9개의 네바다 함몰 중 첫 번째.표면을 파내 1.5톤의 흙을 다른 곳으로 옮김.

대지미술(Earth Art)

* 작가 - 앨리스 에이콕, 크리슽, 얀 디베츠(데덜란드), 해미시 풀턴(영국), 마이클 하이저, 낸시 홀트, 리처드 롱(영국), 윌터 드 마리아, 애나 멘디타, 메리 미스, 로버트 모리스, 데니스 오펜하임, 마이클 싱어, 로버트 스미손, 앨런 손피스트
* 시기 - 1960년대 중반 - 1970년대
* 지역 - 주로 북유럽과 미국
* 내용 -‘대지미술’ 또는 ‘환경미술’은 각양각색의 미술가들이 참여한 폭넓은 미술운동으로 이들은 모두 1960년대의 두 가지 주요 관심사를 공유하고 있었다. 그것은 미술의 상업화에 대한 반대와 당시에 부상한 환경운동에 대한 지지인데, 후자는 '땅으로 돌아가자(back-to-the-land)' 라는 반(反)도시화주의와 지구라는 혹성에 대한 정신적인 자세 등으로 나타났다.
대지미술가들의 폭 넓은 방법과 목표는 다양한 예를 통하여 가장 잘 나타난다. 앨런 손피스트는 도시의 현장을 조경하여 그 장소를 예전의 자연적 상태나 선사시대의 상태로 되돌려 놓으려고 시도했다. 낸시 홀트는 스톤헨지를 연상시키는, 천문학적인 성향을 보여주는 건축적인 구조물을 세웠다. 마이클 하이저와 로버트 스미손은 고대의 무덤 봉분을 연상시키는 거대한 대지조각을 창조해내기 위해, 미국서부의 사막에서 수 톤에 이르는 흙과 바위를 파냈다. 리처드 롱은 그가 돌아다닌 자연풍경과, 도중에 그가 일시적으로 재배치한 바위와 꽃을 아름답게 구성된 사진 속에 담았다.
소멸되어 버릴 작품을 사진으로 찍어 참고기록을 전시하는 것은 개념미술가들과 마찬가지로 대지미술가들에게는 정형화된 작품제작과정에 속한다. 또 대지미술은 동시대 미술인 아르테 포베라와 프로세스 아트와도 비교해서 살펴봐야 한다. 프로세스 아트 작가들은 작품에 자연의 리듬과 체계를 포함시킨 수준에 불과하지만, 대지맛루가들은 직접 자연 속으로 들어가 자연 자체를 대상으로 작품활동을 한 것이다. 스미손이 그레이트 솔트 레이크에 바위와 소금결정체로 450미터에 달하게 축조한 장관의 방파제「나선형의 둑」같이 자연에 과감하게 도전한 작품이 대지미술로 가장 널리 알려져 있기는 하나, 롱, 데니스 오펜하임, 마이클 싱어, 손피스트 등의 대지 미술가들은 환경 보호적 차원에 더 예민한 작품을 제작했다.

대지예술(Earth Art)

랜드 아트(Land Art), 경우에 따라서는 프로세스 아트(process art)등으로도 불린다. 1960년 대 후반, 영국, 독일, 특히 미국에서 성행했던 미술 경향. 이 경향의 대표적인 작가 스미드슨이 소설가 브라이언 앨디스의 동명의 과학소설 제모겡서 힌트를 얻어 전람회의 이름으로 붙임으로써 일반화된 용어이다. 대지예술은 미니멀 아트의 영향에서 `물질'로서의 예술을 부정하려는 경향과 반문명적인 문화 현상이 뒤섞여서 생겨난 것이다. 따라서 상업주의적인 화랑, 미술관, 컬렉터라는 굴레를 벗어나지 못한 채, 영구 불변의 아름다움을 목표로 삼는 종래의 미술 개념에 대한 반발에서 출발한다. 그렇기 때문에 작품의 소재나 방법, 경향도 작가마다 기상천외하다. 예를 들면 사막, 산악, 해변, 설원 등의 넓은 땅을 파거나 거기에 선을 새겨 넣은 후 사진에 수록하여 작품으로 하기도 하고 흙 또는 잔디 따위의 자연물을 그릇에 담거나 직접 화랑에 운반하여 전시하기도 한다. 또 밀밭의 밀을 X자형으로 베어내기도 하고 곡식을 그대로 화랑에 전시하기도 하는가 하면 아스팔트 길을 분쇄하기도 하며 해변가 절벽 을 밧줄로 묶기도 한다. 이러한 것은 모두 예술의 일시적 성격, 머티어리얼로서의 자연의 재인식, 자연 환경의 창조적 응용 등을 강조한 것이다. 대표 작가에는 로버트 스미드슨, 마이 클 하이저, 데니스 오펜하임, 피터 허친슨, 알렉산더 스타키 등이 있다

뒤샹(Marcel Duchamp), (1887~1955)

프랑스 출신의 미국의 화가. 대표적인 다다이스트로 전위적 작품으로 유명하다. 모나리자 얼굴에 수염을 그린 'L.H.O.O.Q.' 에서처럼 기존의 가치를 조롱하였고, 레이 메이드를 이용한 '샘'을 통하여 일 상품과 예술품, 그린다는 의미. 장소 등 여러 가지의 사변적 미술을 이끌어 냈다. 1913년 뉴욕 '아모리 쇼'에 출품했던 '계단을 내려오는 나부', '로드.릴리프', '레프리카'등이 있으며, 자전거 바퀴를 의자 위에 거꾸로 고정시켜 관객이 돌릴 수 있도록 고안한 작품은 후에 '키네틱 아트'에 영향을 주게 된다. 많은 작품을 남지기는 않았지만, 미술의 형태를 변화시키기보다는 미술에 대한 개념 자체 에 혁신을 가져온 뒤샹은 20세기 미술에 있어 피카소만큼이나 중요한 자리를 차지하고 있다. 뒤샹의 형제들 모두 예술가가 되었다. 고등하교를 졸업하고 파리에 화즐이아 아카데미에서 입학한다. 1907년에는 유머리스트 작가전에 참가하기도 하고 1910년까지 신인상주의, 나비파, 야수파의 영향을 받은 초상화와 풍경화를 그린다. 1908년 작인 사과밭의 빨간 집, 검은 스타킹을 신은 나체의 여인, 등이 그 예이다. 퓌토그룹 의 토론을 통해 입체주의 원칙을 받아들이게 되나, 1911년 작인 체스를 두는 사람들에서 볼 수 있듯이 입체주의 미학에 형태와 공간의 투명성을 첨가시키며, 1911년 작 사과나무 위에 부 는 바람에서처럼 움직임을 표현하는 데 역점을 둔다. 1912년 살롱 데 엥데팡당에 출품한 계단을 내려오는 나부로 뒤샹은 고심하고 있던 입체파. 미래파, 등 당대의 미술경향에 결별을 고하게 되며 왕과 왕비, 쵸코렛 분쇄기 ,홈통, 등의 작품을 계속 발표한다. 1913년 뉴욕의 아모리 쇼에 계단을 내려오는 나부를 출품하여 큰 물의 를 빚었다. 같은 해 에 최초의 '레디 메이드' 작품를 발표했는데 이는 자전거 바퀴를 등 없는 작은 의자에 고정해 놓은 것으로 그는 이런 일상용품을 '예술 작품으로 제시하는 것이었다. 군대를 제대하고 1915년에 미국으로 건너간 뒤샹은 '샘'을 발표하여 또 한차례 물의를 일으킨다. 이때 붙어 채택된 주석 조각을 유리판에 붙여 만든 유명한 작품 '그녀의 총각들에 의해 벌거벗겨진 신부, 바로 그것'의 구상에 착수했다. 1923년에 '미완성'인 상태로 이 작품은 완성되었다. 미국에서 뒤샹은 피카비아와 함께 다다 운동을 미국에 전파했으며 만 레이와 공동으로 잡지'291'을 펴내기도 했다. 1918년에 그의 마지막 회화작품'너는 나를....'을 완성한 후 회화와 결별했다. 1920년대 초에 움직임을 중시하는 광학적 잘 품을 발표하고 점차 모든 예술 활동과 손을 떼 기 시작한다. 그러나 초현실주의자들이 활동에 많이 협력하여 1938년 파리세거 셜린 국제초 현실주의 전시회의 주요 기획자로 1200개의 석탄자루를 매달게 하기도 한다.

디자인(design)

계획, 설계, 의장 등을 뜻하는 말. 디자인이라는 용어는 `지시하다', `표현하다', `성취하다'의 뜻을 가지고 있는 라틴어의 `데시그나레'에서 유래한다. 디자인은 주어진 어떤 목적을 달성하기 위하여 여러 가지의 조형 요서 가운데서 의도적으로 선택하여 그것을 합리적으로 구성하여 유기적인 통일을 얻기 위한 창조 활동이며 그 결과의 실체가 곧 디자인인 것이다. 다 시 말해서 주어진 목적을 조형적으로 실체화하는 것이 디자인이다. 오늘날 디자인은 광범위한 의미에서, 실용적인 목적이든 전시를 위한 것이든 어떤 인공물들에 대한 모든 계획을 의미한다. 좁은 의미에서의 디자인' 이란 특히 `산업 디자인'과 같은 분야에서, 시장성을 개선하거나 혹은 실용성과 경제성에 부응하는 한도 내에서 당대의 유행과 조화를 이루어야한 다는 목적을 갖고 있다. `디자인'이 이러한 의미로 쓰이게 된 것은 19세기 중반에 정부의 후 원으로 세워진 디자인 학교에서부터이며 공예운동에서 다양한 영항력을 행사하기 시작하였다. <디자인의 본질>에서 데비드 피이(David Pye)는 어떤 디자인도 만족시킬 수 있는 여섯 가지 조 건을 상술하였는데 다음과 같다. ① 계획의 기본 원칙을 올바르게 구체화하여야 한다. ② 도안의 구성 요소들은 독특한 결과에 적합한 것이면 무엇이든지 기하학적으로 연결되어야만 한다. ③구성 요소들은 의도된 결과가 요구하는 힘을 전달하고 지탱할 수 있을 만큼 강력해 야 한다. ④ 접근할 수 있는 방법이 제공되어야 한다. 여기에 쉽고도 경제적이어야만 한다는 것과 도안의 형태는 수용 가능한 것이어야만 한다는 조건이 부가된다. 20세기 초 특히 건축과 산업품 분야에서 유행하였던 기능주의는 실용성과 경제성에 대한 요구, 그 자체가 최적의 디자인을 결정한다고 주장하였다. 그러나 후에 이러한 요구들이 외형의 기능을 규제하고 지시하는 역할은 하지만 최적의 형태를 결정하는 것은 아니라는 점도 온건한 관점이 널리 퍼지게 되었다. 오늘날까지 미의 공리성을 추구하는 방향과 미의 절대 성을 추구하는 가치체계로 분리되어 있으나 이러한 두 가지 가치체계를 오늘의 사회에서 균형있게 공존할 수 있게 한다면 어느 정도 현대 디자인의 성과를 달성할 수 있게 될 것이다. 디자인의 종류는 대체로 다음과 같이 세 종류로 나눌 수 있다. ① 인간 생활에 필요한 종보와 지식을 넓히고 보다 신속, 정확하게 전달하기 위한 시각을 중심으로 하는 시각전달 디자인 (visual communication design) ② 인간 생활의 발전에 필요한 제품 및 도구를 보다 다 량으로, 보다 완전하게 생산하기 위한 제품 디자인(product design) ③ 인간 생활에 필요한 환경 및 공간을 보다 적합하게 하기 위한 환경 디자인(environment design)등이다.