만화(漫畵)

대상의 성격을 과장하거나 생략하여 익살스럽고 간명하게 인생이나 사회를 풍자 또는 비판하는 그림 형식. 자유로운 과장법과 생략법을 써서 단순/경묘(輕妙) 그리고 암시적인 특징을 노리는 것이 순수회화와 구별되는 점이다.

매너리즘(mannerism)

16세기부터 17세기초에 걸쳐 주로 회화를 중심으로 유럽 전체를 풍미한 미술 양식을 말한다.
보통 미술사의 시대 구분에서는 르네상스 미술에서 바로크 미술로 이행하는 사이에 이탈리아에서 나타났던 과도기적인 미술 양식을 말한다. 명칭에는 개성적인 양식이 아닌 모방이나 아류 등 부정적인 의미를 내포하고 있다. 따라서 매너리즘이라는 용어는 퇴보에 도달한 전통주의 흑은 정신적인 위기의 시대에 두각을 나타낸 죽어 가는 양식의 마지막 표현 등으로 매도되기도 했다.
20세기초 매너리즘 시대의 예술가들에 대한 관심이 부활하면서 하나의 예술운동으로 소개하기 시작했다.

메일 아트(mail art)

'우송 미술' 또는 '우편 미술'이라고 번역된다. 말뜻 그대로 우편을 통해 미술작품을 교류하고 정보를 교환한다는 즉 우편통신 제도를 예술창조의 한 방법으로 이용하는 미술이다. 이러한 통신 예술의 창시자는 미국의 화가인 레이 존슨이라 할 수 있다. 1950년대에, 그는 주위의 친구들이나 낯선 사람들에게 편지를 하고, 또 그들 서로 서로가 편지하게 함으로써 내 용이 변화되고 추가되는 콜라주 연작을 제작하였다. 토머스 알브라이트는 이를 '우편에 의 한 영속적인 해프닝' 이라고 표현했다. 메일 아트가 출연하게 된 것은 옵셋 인쇄기계와 복사기계의 이용으로 제작비용이 저렴해지고 또한 서로 멀리 떨어져 있는 작가들이 예술작품을 공동으로 만들어 보고자 한 욕망 때문이다. 메일 아트는 또 예술제도나 다른 사회 조직을 공격하고 싶어하는 미술가들의 배출구가 됐다. 특히 그 개방성 때문에 많은 국제 교류전이 행해지고 있다.

모뉴먼트(monument)

기념비, 기념상, 기념건축, 기념적 조형물 일반을 지칭하는 말. 개인의 업적, 역사, 사회적 사 건 혹은 어떤 이념을 길이 기념할 목적으로 만든 것. 좀더 넓은 의미에서 살아있는 자들이 과거의 것을 입증할 수 있는 거의 모든 종류의 유적을 말한다. 예술작품과 관련된 모뉴먼트 에 대한 개념은 위엄, 고귀함, 영속성 등을 떠올릴 만한 특징을 가리킨다.(때로는 규모와 크기에 대한 특징으로도 쓰이지만, 본질적인 의미는 아니다.) '모뉴멘탈'은 기념물로서 예술작품의 양식을 지닌 것이라는 비평적 용어로 사용되기도 하였 다. 기념비적 목적을 지닌 건축물로는 판테온, 개선문, 오벨리스크, 전쟁 추모물, 무덤 등이 있다. 과거의 많은 기념 조각들은 종교적이고 제례적인 모티브와 기억을 영속시키고자 하는 목적을 접합시켰다. 그리스 시대에는 체육인, 기마장군, 창에 기대고 있는 통치자, 앉아있는 철학자 등 많은 기념비적인 유형이 형성되어 로마 제국을 비롯하여 서양의 기념조각에 오랫동안 영향을 미쳤다. 19세기와 20세기초에는 공공 기념물이 많이 세워졌다. 그러나 창조적 인 예술과 관주도 예술이 점차로 분리됨에 따라 관의 후원으로 세워진 많은 기념물들은 예 술 작품과 무관한 것으로 간주되는 경향이 있다. 전형적인 관주도 기념물로는 전쟁 추모물과 기마상이 있다.

모더니즘(Modermism)

일반적으로 제1차 세계대전 후의 시대적 특색을 막연하게 나마 표현하는 예술사조.
이 시기에는 이미 표현양식이 상당히 다양해져 사실주의, 낭만주의, 상징주의 등 온갖 경향의 작품이 만들어졌으며, 예전처럼 시대의 양식을 명확하게 규정하기가 힘들어졌다.
그린버그는 "모더니즘을 포괄성, 개방성, 불확정성 등을 통해 그 자신을 여타의 것과 구별한다."라고 주장하면서 동시에 "모더니즘이란 결국 무슨 운동이나 프로그램이 아니라 어떤 궁극적인 미학적 가치를 향한 일종의 지향성"이라고 정의하기도 한다. 이런 점에서 모더니즘은 대중 문화라든지 대중매체 등과 엄연히 구별된다.

모던 아트(Modern Art)

현대의 모든 조각과 회화를 지칭하는 말로서 좁은 의미의 그것은 지난 시대의 양식을 의식적으로 거부하면서 우리 시대를 진실 되게 반영하는 예술을 적극적으로 주장하는, 우리 시대의 특정 예술들을 가리키는 일종의 이데올로기적인 개념이다.
근대 미술의 기점에 관한 문제에 대해서는 일반적으로 19세기 중반부터라고 인식되고 있다.'근대'라는 용어를 대체할 만한 용어를 찾기 위한 탐색도 꾸준히 있어 왔다. 이와 관련하여 '컨템포러리 contemporary'라는 용어가 한때 사용되었으나, 이 용어는 오직 한 세대의 예술가들만을 암시하는 듯한 인상을 강하게 풍기기 때문에 비평가들로부터 너무 국소적이라는 비판을 받았다.

모티브(motif)

그림을 그리게된 동기. 표현의 의도가 유발되는 소재를 말한다.
추상적인 개념으로부터 작품이 구상되는 일도 있으며, 단순한 물체로부터 나와서 조형적인 세계가 형성되는 수도 있다. 장식 미술에서는 반복하여 나타나는 기본 단위를 말하며, 근대 회화에서는 주제도 모티브와 거의 같은 의미로 사용되는 경우가 많다.

무어 Henry Moore (1898 - 1986/영국)

영국의 조각가, 1898년 요크셔 지방의 캐슬포드에서 광부의 아들로 태어났다. 런던 왕립 미술학교에서 조각을 가르쳤다. 무어의 작품의 경향은 조소 작품으로서의 양적인 형태와 구조, 비례, 균형 등의 조형 원리를 살려서 인체를 단순화하고 변형시켜서 풍부한 양감을 표현하였다. 그러나 자연 대상을 철저한 분석과 연구를 통해서 작품의 구조와 형태를 표현하기 때문에 사실적인 기법은 아니지만 실제의 형상에서 느끼는 것보다 더 생생한 감동을 느낄 수 있다.

미디어 아트(Media Art)

모든 예술작품은 물질적인 매개체(medium)에 의해 구체화된다. 따라서 미디어 아트는 모든 미술작품에 적용될 수 있다. 그러나 현대의 미디어 아트는 예술의 전달적 측면을 강조한 의미에 국한되고 있으며 그런 만큼 오늘날 매스커뮤니케이션의 대표적 수단인 책, 잡지, 신문, 포스터, 사진, 영화, 라디오, 텔리비젼, 달력 및 반도체와 비디오, 컴퓨터 그리고 홀로그래피 와 레이저 등에 관련된다. 실상 현대 사회가 고도로 산업화 될수록 이런 미디어는 일상 생 활 속에서 또 일상공간 속에서 무수히 흘러 넘치고 있다. 마샬 맥루한은 이러한 매스 미디 어를 인간의 감성과 의식의 지구적인 확장이라고 했다. 팝 아티스트들은 매스 미디어의 이 미지와 테크닉을 추구했는가 하면, 매스 미디어를 비판하는 수단으로 이용한 작가들도 있다. 토머스 알브라이트는 '샘의 카페'라고 불리는 그룹도 미디어 작가로 분류했는데 이들은 거 대하고 비 예술적인 청중들과 만나기 위해 우편제도, 신문, 텔리비전, 라디오, 경찰이 예술작 품으로 말려들게 되었으며 훌륭한 사실을 만들어 낸 것이다.

미디어 아트(Media Art)

* 작가 - 앤트 팜, 요셉 보이스(독일), 보더 아트 워크숍, 그리스 버든, 로웰 달링, 그랜 퓨리, 그룹 매터리얼, 게릴라 걸스, 제니 홀저, 레슬리 래보위츠 & 수잔느 레이시, 레스 레빈, 마이크 맨델 & 레리 설탄, 안토니오 문타다스(스페인), 마샬 리즈, 마사 로즐러, 크리스토프 우디츠코
* 시기 - 1970년대 이후
* 지역 - 주로 미국
* 내용 - 여기서 '미디어'란 아크릴이나 청동 같은 미술의 물질적 구성요소가 아니라 대중매체를 말한다. 이런 유형의 미술은 신문, 텔레비전, 광고전단, 옥외광고판처럼 널리 퍼뜨리는 데 효과적인 의사소통수단의 형태를 빌려 제작된다. 미디어 아트는 개념미술의 한 부류이며 대중문화에서 영향을 받았고, 미디어 아트의 등장에 중요한 선구적 역할을 한 미술은 팝 아트이다. 전직이 광고 일러스트레이터였던 앤디 워홀은 타블로이드 사진을 원판으로 사용하여 영화스타의 이미지나 참사의 현장을 실크스크린으로 제작했다. 그러나 훠홀과 달리 대부분의 미디어 아트 작가는 대중매체와 대중매체가 여론을 조작하는 방법에 대해 매우 비판적이다.
몇몇 미술가는 대중매체가 갖고 있는 이데올로기적 편견을 밝히려고 시도했다. 크리스 버든은 널리 방영된 풍자적인 비디오테이프「크리스 버든 프로모」(1976)를 통해 미켈란젤로에서 시작하는 자신이 존경하는 미술가들의 명단에 자신의 이름을 가장 나중에 둠으로써 미디어의 개인 숭배성향을 비판하고자 하였다. 게릴라 걸스와 그랜 퓨리 같은 미술가들은 성차별과 에이즈 위기에 대한 거의 알려지지 않았던 정보를 뉴욕 거리의 벽에 포스터로 붙여 대중에게 제공함으로써, 비리를 밝히는 언론인의 역할을 했다. 레스 레빈은 부유층과 권력층만이 미디어를 이용할 수 있다는 통념에 도전하여 1980년대 초에 영국 내의 옥외광고판을 세내어 '블록 갓(Block God)' 같은 간접적인 메시지를 통해 북아일랜드 내전에 고나한 논의를 다시 활발히 만들었다. 이러한 접근방법들은 미술의 미디어에 대한 폭넓은 영향력이 이제는 미디어 아트의 형태로 보답한다는 사실을 알려준다.

미술과 테크놀로지(Art and Technology)

* 작가 - 헬렌 해리슨 & 뉴턴 해리슨, 로버트 어윈, 쥬리 케피스, 피오트르 코왈스키(프랑스), 줄리오 르 파르크(프랑스), 백 남준, 오토 페니(독일), 로버트 라쉔버그, 브라이언 로저스, 니콜라 쇠페르(프랑스), 제임스 시라이트, 타키스(프랑스), 제임스 튜렐
* 시기 - 1960년대 중반 - 1970년대 중반
* 지역 - 주로 미국, 그리고 서유럽에서도
* 내용 - 테크놀로지 즉 과학기술은 현대미술의 중요한 주제이다. 미술가들의 과학기술에 대한 반응은 이탈리아 미래파처럼 찬미에서부터 마르쉘 뒤샹과 프란시스 피카비아 같은 다다 미술가들의 풍자에 이르기까지 다양하게 나타났다. 과학기술적 유토피아에 대한 몽상적인 기대는 건축, 디자인, 과학이 미술과 결합한 미래를 꿈꾼 구성주의자들에 의해 북돋아졌다. 1950년대 말기와 1960년대에 유럽미술가들은 구성주의자들의 뒤를 이어, 뒤셀로르프에서 1957년에 결성된 그룹 제로(ZERO)를 위시하여 1960년 파리에서 결성된 시각예술연구단체(Groupe de Recherche d'Art Visuel: GRAV) 등 많은 미술가들의 모임에서 빛의 조각, 키네틱 조각, 기계 같은 미술작품 등을 만들어 냈다. '미술과 테크놀로지' 운동은 미술가와 과학자의 교류를 전제로 하고 있으나, 대부분의 미술과 테크놀로지 모임은 과학자들의 결정적인 참여유도에 실패한 채 1960년대 말에 이르러서는 대부분 해체되어 버렸다. 제로의 창설자인 오토 피네와 제로에 참여한 많은 미술가들은 그 뒤 미국으로 이주했다.
1960년대 말 무렵 미국은 세계에서 가장 앞선 과학기술을 개발해 내고 있었다. 같은 시기에 팝 아트는 현대사회에 대한 긍정적인 견해를 보여주었고, 개념미술은 비미술적인 사고체계와 미술간의 문제해결과 참여의 모델을 제시했으며, 과학과 테크놀로지에 대한 현대인의 믿음은 절정에 다다랐다.
이때 미술가와 과학자간에 효과적인 공동작업이 여럿 시작되었다. 스웨덴 출신 엔지니어인 빌리 클뤼버와 미국 미술가 로버트 라쉔버와 미국 미술가 로버트 라쉔버그는 1966년에 미술과 테크놀로지의 실험(Experiments in Art and Technology: EAT)을 설립했다.
뉴욕에 거점을 둔 EAT는 수많은 미술가와 과학자를 연결시켜 왔으며 또 많은 프로그램을 내놓았는데, 현재까지 존속되고 있다. 가장 유명한 EAT 프로그램은 1966년 10월에 뉴욕의 69연대 병기창고 (Armory)에서 열린 「9일간의 밤」으로 존 케이지, 벅민스터 풀러, 쥬리 케피스, 이본느 라이너 등이 참여했다. 1967년부터 1971년까지 로스앤젤레스 카운티 미술관에서 주관한 미술과 테크놀로지 프로그램에서는 78명의 유명미술가들과 캘리포니아 주에 소재한 과학, 산업시설을 서로 짝지워 놓고 그 결과를 전시했다. 전시된 작품들 중에는 소리, 빛, 움직이는 요소를 사용한 멀티미디어 작품이나 환경미술 작품들이 있었다. 1967년에 케피스는 MIT대학에 첨단시각연구센터(Center for Advanced Visual Studies)를 설립하여 MIT대학이 위치한 케임브리지와 그 근방에 거주하고 있는 미술가들과 과학자들 사이의 교류를 증진시켜 오고 있다.
1970년대는 달 착륙 성공이 도출해낸 테크놀로지를 향한 열의를 갖고 출발했으나, 얼마 안 있어 테크놀로지는 환경파괴와 베트남에서의 네이팜탄 사용 그리고 스리마일 아일랜드에서의 원자로 폭발사고와 연결 지어 생각되게 되었다. 그 결과 많은 미술가들은 물론 대다수의 미국 국민들은 테크놀로지에 대한 환상에서 깨어나게 되었다.

미술 비평(art criticism)

미술작품의 가치를 판정하고, 그것에 의해 인간의 창조 활동의 본질을 구명하고자 하는 활 동. 미술 작품의 우열을 논하는 것은 고대 그리스이래 있었던 일이나, 미술 비평이라는 하 나의 장르가 성립된 것은 19세기 후반 이후의 일로, 저널리즘에 의해서이다. 철학자, 미학자 의 저작물에도 미술 작품의 평가에 대한 일반적 문제를 다룬 것이 있었으나, 특히 보들레르 와 같은 문인이 쓴 미술 비평은 큰 반향을 불러일으켰다. 20세기 초 새로운 미술 운동의 대 두와 함께 프랑스에서 새로운 미술 비평이 활발하게 행해졌는데, 차츰 여러 나라에서도 그 것이 성행하게 되었다. 비평의 방법이나 태도는 평자의 세계관, 미술관에 따라 각기 달라지 는 것은 당연하지만, 미술 비평이 독자적인 대상과 방법을 가지고 행하는 독특한 평론(에세 이)으로서 인정받게 된 것은 근년의 일에 속한다. 현대의 미술 비평에서는 근대 미술사의 연구가 비평가를 겸하는 경우가 많은데, 이를테면 영국의 허버트 리드, 프랑스의 장 카수, 이탈리아의 리오넬로 벤츄리 등이 그 대표적인 예이다.

미술과 언어(Art and Language)

1966년 영국에서 결성된 형식에 얽매이지 않는 예술가들의 그룹. 이들은 공동으로 또는 협력하여 작품을 만들고, 토론을 하며, 논문도 발표하고, 그룹 전시도 하였다. 이들의 두드러진 특징은 일차적인 매체로 '언어(language)'를 채택하고 손으로 만든 완성품을 거부한 점이 다. 그 결과 전통적인 표현수단이 확립되었다. 이들은 맨 처음 뒤샹의 사상에 대한 비판과 미니멀 아트 이론을 제기하는 일련의 작품을 제작했다. 그 후 '예술'의 개념에 대해 천착한 후, 과학자들의 논문이 과학으로 간주되는 것처럼 예술가들이 쓴 논문도 예술로 간주될 수 있지 않은가 하는 의문을 제기했다. 1960년대 말 이 그룹은 영국의 분석철학과 그 방법론에 따른 미학의 전개에 큰 영향을 받고 사회학, 논리학 언어학 인류학 등에서 개념과 도움을 얻고자 많은 학문을 섭렵했다. 이들은 발견한 것들을 '오려 붙여' 거의 해독할 수 없는 암호를 만들어내 독자들의 호기심을 자아내거나 독자들의 흥미를 잃게 했다. 언어의 한 가지 특징은 그것이 지각 방법에 좌우되지 않는다는 것이다. 즉, 그것은 눈(인쇄 물),귀(말), 손(점자책)등 여러 방법으로 이해될 수 있고, 따라서 감각이 아닌 이성에 호소하는 경향이 있다. 그래서 이 그룹의 작업은 고도로 이지적이며 발표하는 방법도 인쇄물, 녹음, 마이크로 필름'세미나 등 다양하다. 1969년 이들은 <미술과 언어>라는 정기간행물을 창간했는데 그 부제가 '개념예술 잡지'였 던 점에서 이들을 '개념예술 운동'과 연결짓는 경우도 많았지만 정작 이들은 이것을 당혹스러워 하고 있다. 1970년대 중반, 이 그룹의 저작물에서는 예술산업에서의 경제적 하부구조, 즉 예술과 이데올로기, 계급투쟁 시의 예술의 역할 등에 대한 관심이 두드러진다. 이런 관점은 특히 미국의 A&L 회원들 중 몇몇은 좀더 급진적인 집단을 창설할 필요를 느끼고 그 후 'PAL(점정적인 미술과 언어)'을 창설하게 된다. 대부분의 비평가들은 A&L의 논문이 모호하다는 것을 중점 적으로 비판하며, 경쟁자들과 그룹 밖의 사람들에 대한 허세와 위협적인 태도에 대해서도 비난하고 있다. 결국 생명력 있는 어떤 예술 형태도 지시하지 못한 마구잡이 식의 연구여서 그 엄청난 지적인 노력에도 불구하고 A&L이 이룩한 것은 빈약하기 그지없다.